Reconocida por su lenguaje visual vibrante, sintético y profundamente emocional, Coco Dávez ofrece en esta obra una mirada actual sobre San Isidro, en la que conviven la tradición popular, la celebración colectiva y el pulso contemporáneo de Madrid. La ilustración sitúa la acción en la pradera, con el skyline de la ciudad al fondo, un espacio cargado de memoria cultural que la artista transforma en una escena diurna y abierta, protagonizada por la gente como auténtica esencia de la fiesta.

«Siempre que paseo por la pradera y veo el skyline de Madrid pienso en todos esos pintores que retrataron esta vista de la ciudad. Tenía muchas ganas de devolver esa imagen, pero desde mi mirada y mi tiempo», explica la artista.

Fiel a su lenguaje visual, Coco Dávez construye la escena desde la economía de formas, el protagonismo del color y la eliminación del rostro, una constante en su obra que no borra la identidad, sino que la amplía y la vuelve colectiva. En este caso, la paleta cálida y los colores elementales evocan encuentro, comunión y celebración, conceptos que para la artista definen San Isidro.

La ilustración incorpora guiños sutiles a la tradición, como los trajes de chulapas reinterpretados con un toque contemporáneo, lunares negros sobre el diseño clásico, claveles que salpican la escena y una atmósfera festiva que se construye desde lo cotidiano y lo compartido.

«San Isidro para mí es un día bonito con amigos, celebrar la vida y el encuentro. Quería que fuera una imagen familiar, que los madrileños sintieran que ese Madrid también es suyo», señala Dávez.

Arte que sale al espacio público

Esta colaboración tiene para la artista un significado especial al tratarse de una obra concebida para el espacio urbano, lejos del ámbito expositivo y pensada para ser vista por miles de personas en su día a día.

«Es un regalo enorme. La obra deja de pertenecer a un espacio cerrado y pasa a formar parte de la ciudad y de la vida cotidiana», afirma.

La ilustración tendrá presencia en distintos soportes y espacios vinculados a la campaña de El Corte Inglés para San Isidro, reforzando la idea de un arte accesible, cercano y arraigado en la ciudad.

Campaña de San Isidro

El Corte Inglés apoyará la campaña de felicitación de las fiestas de San Isidro mediante una acción de presencia en las pantallas de gran formato de cines y teatros de la Gran Vía, una de las zonas más transitadas de Madrid. Las pantallas del Palacio de la Prensa, los cines Capitol y Callao, así como del Teatro Gran Vía, mostrarán la ilustración de Coco Dávez con la que El Corte Inglés felicita estas fiestas y ofrecerán información sobre distintas iniciativas que se pondrán en marcha, como conciertos en vivo.

La campaña también estará presente en emplazamientos clave de la ciudad con gran afluencia y movilidad urbana, como las estaciones de metro de Sol, Latina y Ópera.

Esta acción se completa con el vinilado de minibuses que recorren zonas claves en la festividad de San Isidro como La Latina y Sol (autobuses 002 y M1).

Coco Dávez, una voz imprescindible del arte contemporáneo español

Nacida en Madrid, Coco Dávez (Valeria Palmeiro) es una de las artistas españolas con mayor proyección nacional e internacional. Autodidacta en gran parte de su trayectoria, ha desarrollado un lenguaje visual propio, reconocible por su estética pop, minimalista y emocional, en el que el color actúa como herramienta narrativa y psicológica.

Su serie Faceless, iniciada hace más de una década, la ha consolidado como una creadora capaz de explorar la identidad desde la síntesis y la memoria colectiva, conectando con públicos diversos sin renunciar a profundidad conceptual. Su obra dialoga con referentes como el pop art, el minimalismo, la cultura visual contemporánea, la música, el cine y la literatura, siempre desde una mirada personal.

Madrid ocupa un lugar central en su imaginario creativo, no solo como ciudad natal, sino como espacio vivo, contradictorio y estimulante desde el que observa y crea.

El Corte Inglés y su compromiso con la cultura local

Con esta acción, El Corte Inglés continúa desarrollando su iniciativa de apoyo a las Fiestas Locales y a los creadores vinculados a cada ciudad, un proyecto que busca celebrar los hitos culturales más relevantes del territorio a través de lenguajes visuales contemporáneos.

Tras colaborar con artistas en festividades como las Fallas, Feria de Abril, Feria de Málaga, El Pilar, San Fermín, Semana Grande de Santander, o los Carnavales de Canarias, entre otros, la compañía refuerza en Madrid su vinculación con la cultura local a través de una creadora profundamente conectada con la ciudad y con su tiempo.

Esta ilustración para San Isidro no solo felicita unas fiestas, sino que celebra la identidad madrileña desde el arte, la mirada personal y el talento local.

Pero nuestra chusma de la corrupción es además hortera como no puede ser de otra manera y de gustos clásicos: Tocho y Chocho (con perdón). Un personal que yo pensaba, que no existía desde Huevos de Oro de Bigas Lunas, tal vez por aquello de que además, no se les viese el pelo de la dehesa.

Nuestro chorizo institucional es de recorrido corto. No es como el ruso, igualmente macarra y hasta sanguinario, pero oye, cuadrito a cuadrito se ha hecho un capitalito. Putas y Chalés. Todo deja rastro. Alguno dirá que las compras y ventas de arte están cada vez más fiscalizadas, y yo les digo que los cerdos de colores también vuelan. Con el entramado societario que se han montado ni el FBI les puede seguir la pista. Sólo la UCO que está más que bregada en nuestro bestiario y acostumbrada al embuste de los gitanitos, está capacitada para tirar de esas madejas.

Ver a Koldo y a Abalos en una galería de arte se me hace impensable como ver a un leopardo hambriento entre un placido rebaño de ovejas, aunque fuera sólo por fardar de fulana, pero es que hasta las putazas que se buscan, asustarían a las Adoratrices Esclavas de la Caridad, aquellas santas mujeres que acogían a barraganas, colipoterras, putas y meretrices para paliar sus dolores y males como el mal francés, gonococia y estranguaria (dolor al orinar). Hoy les sacarían PenDrives de las bragas y no entenderían a quien se estaban trajinando.

El arte no gusta a todo el mundo, no nos engañemos. Hay quien le va el futbol, tirar perdices, los coches o los relojes, como a aquellos jugadores de futbol que han pillado en Andorra comprando maletas de Patek Philippe, Richard Mille, Audemars Piguet, Breguet o Vacheron Constantin; Otros horteras que no entienden que sólo los identifica. Yo creo que tanto pelotazo en la cabeza es a veces, como una mala pedrada…

Es una lástima que nuestro chorizo patrio además sea vulgar, paleto y chabacano. La gente no empatiza con ellos. No se les recuerda si no es con un: “!Mira a ese hijo de puta!”. Hijo de puta en España significa envidia (mira a ese hijo de puta que cochazo lleva, mira a ese hijo de puta que fulana se gasta, mira a ese hijo de puta que yate…)

Nuestro chorizo no ha evolucionado. Le hace falta clase. El día que tengamos a uno con la apostura de Vitorio de Sica o Gassman, empezaremos ha hablar. De estos sólo se dice “!Un Señor!” y no deben preocuparse jamás si el jabón se les cae en la ducha del talego, ni si las bandas les miran mal. A estos se les trata de usted, duermen en celdas individuales, desayunan tostadas con mermelada inglesa y leen el Conde de Montecristo.

Quedan Aldama y Cerdán y así hasta llegar a nuestro Valido Del Rey actual. Recuerdo que al duque de Lerma para evitar la cárcel y la horca, logró ser nombrado cardenal e inspiró la coplilla: "Para no morir ahorcado, el mayor ladrón de España se viste de colorado". Hoy presidir la Internacional Socialista sería el equivalente, puesto que todos son rojos…

No se si colgarán en sus celdas pósters de Sabrina o Samanta Fox en pelotas, ya que tanto y Peugeot y carretera, al final se contagia el Mal del Camionero.

Hoy el arte sigue siendo un valor seguro y sobretodo refugio. Como decía antes, un Basquiat discretito de ocho millones, en diez años se pondrá en los doce, y en el mercado del arte pocas veces se pregunta si el dueño era ruso o si los hornos de Treblinka funcionaban.

El problema es a ver a quien compran, porque si el chorizo patrío es chungo, el marchante mangante, es ave de otro corral diferente a nuestros Ábalos, Koldos, Cerdanes y Aldamas y el que tienen que aprender mucho todavía, y vete a saber si les colocaban al final, una Venus de Botticelli firmada por Morandi.

Sugerencia: Hay un chino por ahí que hace unos bodegones a la manera de Snyder que son muy chulos y puede incluir entre los motivos, chistorras, lechugas y bolsas del Corte Inglés. Incluso puede pintar a la Paqui de verdulera y a la Jessica de palanganera.

Hoy, los vascos en su reclamación del cuadro argumentan “es una cuestión de reparación y de memoria histórica (...) una reparación simbólica y política, no solo al pueblo vasco, sino un mensaje al mundo con ese traslado del Guernica».

Digamos que el cuadro tiene unas peculiaridades que simplemente hacen imposible dicha pretensión.

Vamos a por lo fácil. Es un encargo hecho por el gobierno Español de entonces por el que se pagaron 200.000 francos de 1937 (11,5 millones de euros de hoy). Por tanto el cuadro de marras es Patrimonio del Estado y por extensión de todos nosotros. No hay datos que especifiquen si el Gobierno Vasco de Aguirre aportó o no dinero en el encargo, circunstancia que podría ser causa de debate en cuanto a si el cuadro es una comunidad de bienes y los vascos copropietarios, pero como digo, eso no consta.

Hay que añadir que en voluntades de Picasso, jamás, especificó nada sobre la ubicación del cuadro en el País Vasco una vez volviera España. Todo lo contrario. Él lo quería en el Prado (por supuesto) y como el Cubismo tiene poco que hacer entre el Barroco, se construyó el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, para mayor gloria del artista, ya que por Real Decreto de 1995 estableció el año de nacimiento de Picasso (1881) como punto de partida cronológico para las obras de la Colección del Museo.

Hay otro tema. El cuadro está hecho unos zorros y como lo muevan otra vez más a lo mejor se les queda entre las manos. Picasso lo pintó en menos de 45 días y los materiales no debieron ser los mejores, teniendo en cuenta que era para un evento efímero como la Exposición Internacional de Paris de 1937. El cuadro se ha movido más que el culo de Josephine Baker, (por aquello de contextualizar y sin ningún animo racista o sexista) y fue enrollado y desenrollado más de 40 veces a lo largo de 89 años, sin saber como ha llegado hasta nuestros días.

Queda la cuarta opción: ¿Y si el cuadro no es un alegato ni denuncia al bombardeo? . Esta tesis va cobrando fuerza como demuestra un articulo que publico en breve sobre esta posibilidad. Lógicamente mi propuesta es un divertimento, ya que la figura del Picasso político sigue siendo sagrada y cualquiera que ose decir algo al contrario se le considera anatema. A la polémica de Rosalía me refiero, pero le está bien empleado a la vedette cantante por meterse en camisas de once varas en su intento de ir de intelectual, y no perseverar en lo único que le interesa, que es ser la nueva Madonna.

El análisis no es baladí. He empleado varias fuentes: La del catedrático José María Juarranz de la Fuente, que dice abiertamente de que va el cuadro. El análisis de la personalidad del siquiatra Juan Antonio Vallejo-Nájera sobre Picasso. Este perfil sicológico se ha puesto en duda ya que Vallejo-Nájera es “sospechoso”, es decir, trabajó y no se exilio durante el franquismo. La tercera, el testimonio personal de un colega coetáneo. La cuarta es la extensa bibliografía y testimonios de las amantes que sobrevivieron la misoginia patológica de Picasso, y la quinta es la intrahistoria del personaje. No voy a hacer Spolier, así que léanlo en Pecados del Arte a partir del 3 de abril.

En este punto la intrahistoria del personaje desmontaría mitos y leyendas, y lo más grave, si se tomara en consideración la historiografía académica y los relatos. Lo de intrahistoria, para que nos entendamos, es la manera elegante que tenemos los expertos en arte para definir las anécdotas, las circunstancias vitales o personales e incluso el chismorreo que rodean a los artistas y su obra , y ayudan a comprenderlas. Todo dependerá de las fuentes, y con Picasso hay muchas fuentes. Digamos que algunas fiables y otras que simplemente engordan al personaje. He tenido la suerte de conocer el testimonio de otros artistas amigos y coetáneos de Picasso en París. También a Maya y Claude (hijos) que no sentían afecto por él especialmente, o a los Bosé, que para marujadas sobre Picasso eran una enciclopedia.

La cosa esta de que el Guernica es una denuncia del bombardeo por parte de Picasso, como que no. Sería una consecuencia oportunista. El malagueño estaba pintando el cuadro desde 1935, el gobierno de la Republica le hizo un encargo en 1937 y Picasso transformó su trabajo artístico en un alegato.

El colega coetáneo del que hablo es familiar lejano y de Teruel, tierra donde hay poco embustero, y contaba que al pintor lo de la Guerra Civil le preocupaba más bien poco, una vez le nombraron director del Prado en octubre de 1936. A la quien si le importaba era a su amante titular de entonces, Dora Maar, activista de izquierdas de verdad. Por aquello de que Picasso vivió una etapa crucial de su infancia y formación artística en La Coruña, entre 1891 y 1895 podríamos emplear el refrán gallego “Máis tira un pelo de cona que unha xunta de bois” y que se podría resumir en un “lo que tu me digas bonita”.

Por tanto, y volviendo a lo de los 1.000 millones de euros, y a la negativa total del gobierno a la restitución de cuadro al País Vasco como “cuestión de reparación y de memoria histórica” queda plantearse la siguiente reflexión que yo haría como Lendakari: “Bien, no me quedo el cuadro pero ¿Qué me das Pedrito a cambio, y que valga 1.000 millones de euros, pues?”.

Inevitablemente, pensé en la marca Distrito 11 de Carabanchel, en Madrid, donde el arte moderno se ha convertido en un sello de identidad y en una herramienta de transformación social. Porque cuando el arte arraiga en un territorio deja de ser mera contemplación estética para convertirse en motor económico, cultural y emocional.

El MACU no nació de una gran inversión institucional ni de una estrategia política diseñada en despachos lejanos. Surgió del compromiso de creadores que entendieron que el patrimonio cultural no es solo herencia, sino también apuesta de futuro. Ocupa el espacio de la antigua estación de ferrocarril de Unquillo y se compone de tres salas y 1.200 metros cuadrados de exposición rotativa, lo que permite una programación dinámica, abierta a nuevas miradas y a distintos lenguajes artísticos.

Una obra paisajística del pintor Carlos Alonso preside la primera sala. No es un detalle menor. Alonso, referente indiscutible del arte argentino contemporáneo, ha sabido plasmar como pocos la tensión entre el paisaje y la condición humana. Su presencia simbólica en el museo establece un puente entre tradición y contemporaneidad, entre la memoria pictórica y la experimentación actual. Ese diálogo es, en definitiva, el que sostiene cualquier proceso de regeneración urbana que aspire a ser auténtico.

La transformación de una ciudad no depende únicamente de grandes infraestructuras. Depende, sobre todo, de la capacidad de sus vecinos para reconocerse en un proyecto común. El MACU ha conseguido que Unquillo deje de ser una localidad satélite para convertirse en destino cultural. El flujo de visitantes dinamiza el comercio, la hostelería y los servicios. Pero, más importante aún, fortalece el orgullo local y consolida una narrativa propia.

Este fenómeno no es exclusivo de Argentina. En Madrid, el distrito de Carabanchel ha vivido en los últimos años una eclosión artística que ha modificado su percepción pública. Tradicionalmente asociado a su pasado industrial y penitenciario, hoy alberga estudios de artistas, galerías y espacios expositivos que han configurado lo que muchos denominan Distrito 11. Allí, antiguas naves se han reconvertido en talleres creativos; espacios fabriles han dado paso a laboratorios culturales. El arte ha actuado como catalizador de una nueva identidad urbana.

La clave está en comprender que la cultura no es un adorno, sino una infraestructura invisible. Un museo como el MACU no solo expone obras: genera conversación, educación y cohesión. Un público heterogéneo visita sus salas; los creadores encuentran un lugar donde mostrar su trabajo; los vecinos redescubren su entorno con otra mirada. La ciudad se reescribe a sí misma a través del arte.

En esa reescritura, la literatura desempeña un papel complementario. Las ciudades que se narran existen con mayor intensidad. Desde nuestra labor editorial en Artelibro hemos comprobado cómo los libros dedicados a barrios y distritos no solo documentan su historia, sino que refuerzan su autoestima colectiva. Cuando un territorio se convierte en tema literario adquiere densidad simbólica y se transforma en relato compartido.

Unquillo y Carabanchel, separados por un océano, comparten esa intuición: la cultura como herramienta de desarrollo. No hablamos de procesos espontáneos, sino de voluntades sostenidas en el tiempo: artistas que apuestan por permanecer en su entorno, instituciones que acompañan, ciudadanos que participan.

Frente a modelos urbanísticos basados exclusivamente en el crecimiento inmobiliario, el ejemplo del MACU propone otra lógica: la del crecimiento cualitativo. No se trata de expandirse sin más, sino de consolidar identidad. Un museo de tres salas puede tener más impacto a largo plazo que una avenida recién asfaltada si logra activar el tejido social.

El arte, además, introduce un elemento esencial en la vida urbana: la pregunta. Una pintura de Carlos Alonso interpela; una instalación contemporánea incomoda; una exposición colectiva abre debate. Esa capacidad crítica es la que mantiene viva a una comunidad. Las ciudades que solo consumen tienden a homogeneizarse; las que crean desarrollan personalidad.

En un tiempo de globalización acelerada, en el que muchas urbes parecen intercambiables, proyectos como el MACU reivindican la singularidad. Unquillo no compite por tamaño, sino por identidad, y esa identidad se construye desde el talento local.

Quizá esa sea la lección principal: el arte no es un lujo reservado a grandes capitales, sino una herramienta al alcance de cualquier comunidad que decida apostar por él. Cuando eso ocurre, el paisaje cambia. No solo el físico —calles, fachadas, espacios rehabilitados—, sino también el interior: la percepción que los ciudadanos tienen de sí mismos.

El arte, en definitiva, no decora la ciudad. La transforma.

Por aquel entonces estaban de moda los hamsters, ya saben esas ratitas domésticas que están todo el día comiendo pipas y llenándose los carrillos, y más de uno nos lo llevamos al cole en el bolsillo. ¿Una aberración? No menos que los móviles de hoy. ¿Un crimen ecológico? Ya les he dicho que no éramos tan cursis. Es más, fuimos unos adelantados en la aceptación de Genero, nos importaba un bledo si eran macho o hembra y tampoco lo preguntábamos.

La cuestión es que ante lo imparable de la Fiebre Hamster, el tutor propuso tener una jaula en clase y que la cuidásemos entre todos. Uno debía encargarse de cambiar de vez en cuando la arena que apestaba , otro del agua, otro de las pipas, otro de la lechuga. En tunos rotativos. Lo que hoy se llama un ejercicio de responsabilidad colectiva.

Aquello acabo como se imaginarán en drama. Un día metimos a otro hamster ya que nos imaginábamos que serían como Pixie y Dixie, las ardillas de Disney, ignorando ya que no discriminábamos, que en realidad se llamaban Ramón y Virtudes. También fuimos unos adelantados en educación sexual: A las cuatro semanas teníamos la primera camada de doce ratitas, y esperanzados pensábamos que en un par de meses habrían hamsters para todos. A las cinco semanas y con ocho añitos tuvimos una inmersión agresiva y prematura en la filosofía de Hobbes y aprendimos aquello del hombre es un lobo para el hombre, ya que uno de los dos se comió a las crías, nos dio igual si fue una cuestión de violencia vicaria o de filicidio . Mi colegio era religioso por lo que el destino sobrenatural de las crías no nos preocupaba: «Habrán ido al limbo de los hamsters, como los no bautizados» pensamos reconfortados.

Aquella masacre caníbal continuó dos o tres meses más. El tutor nos censuró las explicaciones reales del porque los hamsters se comen a sus crías: instinto de supervivencia, el estrés, la falta de nutrientes o el peligro en el entorno. Como les decía mi colegio era del Opus, y vivíamos en una feliz Arcadia ajenos a las realidades que el mundo nos depararía como adultos. Así que finalmente se limitó a preguntar “¿Quién tenía que dar de comer a los hamsters?”. Jaime Massot era el responsable aquella semana de alimentarlos. y como era un chivato dijo: "Jorge Llopis no ha traído las pipas". (Mentira, se las había comido él). No sé qué habrá sido de adulto del hijoputa de Massot. Un par de cursos después se cambió al Liceo Francés de Barcelona.

Con los años viví experiencias similares. Durante mi servicio militar, un suboficial rastrero me delató porque no había gasolina en el vespino auxiliar de servicio que llevábamos a bordo “El cabo primero Llopis no le ha puesto gasolina”, cuando había dos bidones de mezcla. Y luego en diferentes trabajos donde la excusa que empleaba una trepa, era que mi impresora siempre estaba ocupada. “¿Has pensado porque mi impresora no deja de imprimir documentos? Hija de la gran puta”, le dije finalmente un día a aquella vaga de manual, en aquellos tiempos felices del políticamente incorrecto y cuando nos tratábamos por igual entre hombres y mujeres.

Ya ven que los ilusionistas de la culpa que se quitan de encima sus responsabilidades acusando al compañero, forman parte de nuestras vidas.

Por tanto no es de extrañar que el Ministerio de Cultura no dude en acusar al Ministerio de Hacienda de no poder rebajar el I.V.A. cultural.

Es posible que Massot cuando se cambió al Liceo Francés, hiciera amistades con gran proyección de futuro.

De lo que se mama se cría.

Sobre las obras

A ARCO Madrid 2026 viajarán tres piezas que conversan entre sí como un ciclo que fomenta la atracción entre ellas:

La primera ‘Paisaje Emergente’ (‘Emerging Landscape’), es una obra generada digitalmente a partir del recuerdo de una cantera, que convierte el tiempo profundo en un paisaje perceptible.

En contraste, ‘Luz Quieta’ (‘Still Light’) utiliza madera carbonizada recuperada del lugar como interfaz. La madera no funciona aquí como símbolo: es una prueba de que un tiempo ocurrido sigue operando en la superficie a través de las grietas ásperas y marcas de combustión que son huellas de un acontecimiento extremo.

El vínculo entre ambas obras se activa en ‘Luz y Piedra’ (‘Light and Stone’). La obra proyecta imágenes asociadas a la “memoria de la piedra” sobre la madera carbonizada, haciendo que el tiempo profundo de la geología y las fisuras del fuego coincidan en un mismo campo. Más que contar un suceso, la obra propone una gramática de la mirada que derriba idiomas y provoca la conexión.

El desarrollo de esta obra se ha realizado durante el período que ocupó su residencia de investigación de dos meses (septiembre y octubre de 2025), y ha tenido lugar gracias al Ministerio de Cultura de Taiwán y la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España en colaboración con el Ayuntamiento de Genalguacil, que ha permitido que el trabajo desarrollado durante la residencia se presente en una exposición individual en el Museo y posteriormente se proyecte hacia un marco profesional internacional como la feria ARCO Madrid, donde podrá ser interpretada por comisarios, instituciones, coleccionistas, medios y público interesado.

Sobre el artista

Liu Cheng-Hsiang [Shawn Liu] es un artista taiwanés cuya práctica conecta el arte generativo, la percepción espacial y la poética algorítmica. Graduado con honores de la Escuela de Arquitectura Bartlett del University College de Londres (UCL), fundó Shawn Liu Studio en 2016 como una plataforma que abarca las artes visuales, el diseño y la estrategia cultural. Ha realizado proyectos para importantes instituciones y marcas internacionales, como Louis Vuitton, Mecanoo, J.J. Pan & Partners, Kris Yao | Artech, el Museo Nacional de Historia de Taiwán y el Museo de Bellas Artes de Kaohsiung. Su consultoría conecta arte, arquitectura y diseño, ofreciendo una visión estratégica del desarrollo estético, la comunicación cultural y la colaboración interdisciplinaria.

Sobre Genalguacil Pueblo Museo

Genalguacil Pueblo Museo tiene como razón de ser frenar su despoblación fusionando cuatro elementos: tradición, arte, cultura y naturaleza. Tras 50 años perdiendo población, es a partir de 2019 cuando comienza a experimentar un crecimiento del 4% anual, gracias al proyecto Genalguacil Pueblo Museo, a las personas que apoyan esta idea y a los vecinos del pueblo. Un pilar fundamental del proyecto es el uso del arte contemporáneo como motor de crecimiento generando oportunidades para el desarrollo y transformación. Esto le ha dado a Genalguacil Pueblo Museo una proyección nacional e internacional.

Presentación en ARCO

En el marco de las presentaciones y conversaciones de ARCOmadrid, el artista Liu Cheng-Hsiang compartirá con el público el proceso de su residencia en Genalguacil, experiencia que ha dado origen a las obras que presenta en la feria. La actividad tendrá lugar el sábado 7 de marzo de 12:00 a 14:00 horas en la Sala Fundación ARCO, espacio que acogerá esta sesión abierta al público y a profesionales del sector.

Tras la presentación, los asistentes estarán invitados a acercarse al espacio expositivo, donde podrán conversar directamente con el artista y con el equipo organizador, favoreciendo un intercambio más cercano y detallado sobre su trabajo y proyectos en curso.

Información ARCO 2026

Lugar: IFEMA MADRID, Recinto Ferial, Av. Partenón 5, 28042 Madrid

Fecha: 4 al 8 de marzo de 2026

Pabellón y stand: Hall 9, Stand 9A30

Web: https://www.ifema.es/

**Exposición paralela en Genalguacil Pueblo Museo, España. ‘The Bones of the Earth, The Breath of Light’. Fechas: 25.10.2025 – 18.10.2026

Web: https://www.liuchenghsiang.com/the_bones_of_the_earth_the_breath_of_light

El título de la exposición parte de una expresión empleada por el historiador y crítico Roland Penrose para referirse al universo simbólico de Tàpies: una imagen desconocida, enigmática, abierta a múltiples interpretaciones.

La muestra, que abrirá sus puertas al público del 19 de febrero al 15 de mayo de 2026, se centrará en este concepto, que articula el discurso curatorial de la muestra, e invita al espectador a adentrarse en un lenguaje artístico donde la materia, el signo y la espiritualidad se funden en una experiencia estética intensa y profundamente contemporánea.

La materia como lenguaje

Uno de los ejes centrales de Imago ignota es la dimensión matérica de la obra de Tàpies. La exposición muestra cómo el artista transformó la superficie pictórica en un territorio de acción, huella e inscripción, utilizando mezclas de polvo de mármol, barnices, collages, incisiones y gestos que remiten al muro, a la tapia y a la erosión del tiempo. Lejos de ser un mero recurso formal, la materia se convierte en un lenguaje cargado de resonancias simbólicas, sociales y filosóficas.

La paleta cromática, dominada por grises, marrones y tonos terrosos, refuerza el carácter austero y esencial de sus composiciones, en coherencia con una concepción del arte profundamente ética y reflexiva. En palabras del propio artista, estos colores remiten a una luz interior, alejada del ruido visual de la sociedad contemporánea.

Papeles, cartones y soportes transformados

La muestra concede un lugar destacado a los trabajos sobre papel y cartón, soportes fundamentales en la evolución del lenguaje de Tàpies. Lejos de ser secundarios, estos materiales humildes constituyen el origen mismo de muchas de sus investigaciones matéricas. A través del dibujo, el frottage, el grattage y la inscripción, el artista desarrolló una concepción de la pintura próxima a la escritura, donde gesto y soporte son inseparables.

Esta atención al soporte se extiende también a su interés por transformar y “agredir” la superficie pictórica, en diálogo con prácticas como el grafiti, la arqueología o el arte rupestre. La obra se presenta así como un fragmento abierto, una huella que conecta lo ancestral con lo contemporáneo, lo individual con lo colectivo Tàpies.

Una selección de obras de máxima calidad

Antoni Tàpies. Imago ignota reúne dieciséis obras de excepcional calidad, entre pinturas, collages, dibujos y piezas realizadas con técnicas mixtas. Desde un punto de vista técnico y formal, la exposición ofrece una visión amplia y coherente de la trayectoria del artista, demostrando la solidez y continuidad de un lenguaje plástico inconfundible a lo largo de varias décadas.

La cuidada selección y el riguroso planteamiento curatorial convierten la muestra en una oportunidad única para aproximarse al pensamiento y a la obra de Antoni Tàpies en un contexto expositivo privilegiado, pensado tanto para especialistas como para un público amplio interesado en el arte contemporáneo.

Una invitación a la contemplación y la reflexión

Con Imago ignota, Havet Gallery reafirma su compromiso con la excelencia expositiva y con la difusión de artistas fundamentales del siglo XX. La exposición se plantea como un espacio de contemplación y reflexión, donde cada obra establece un diálogo directo con el espectador, activando lecturas abiertas y experiencias sensoriales de gran intensidad.

Una cita imprescindible para comprender la vigencia y la profundidad de la obra de Antoni Tàpies, y para redescubrir a un artista que supo transformar la materia en pensamiento y el gesto en signo universal.

Antoni Tàpies. Imago ignota

📍 Havet Gallery — Calle Velázquez 86A, Madrid
🗓️ Del 19 de febrero al 15 de mayo de 2026

Ya han sido muchos los titulares de la cartera de la Plaza del Rey que quedan en entredicho, por no llamarles directamente bocazas. Todos calzan del mismo píe y finalmente, se entiende que hayan sido los elegidos para ese compostador que es este ministerio. Un lugar donde se quedan para fermentar y poco más.

Lo del I.V.A. en el arte y las antigüedades es una asunto que viene de lejos. El PP lo subió al del 7% al 21% en 2014, pero desde que suben los socialistas en 2017 no lo han podido reducir de nuevo, por lo visto.

Finalmente, el Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo ha anunciado que las galerías españolas interrumpirán su actividad cerrando sus puertas del 2 al 7 de febrero ante la «parálisis y falta de respuesta» por parte del Gobierno sobre una reducción del IVA para las ventas de obras de arte, antigüedades y objetos de colección, similar al que tienen países como Francia, Italia, Alemania o Portugal, y avanzan que cesarán en «toda colaboración gratuita» con instituciones públicas y privadas en España durante un periodo de tres meses. incluso abrir un consorcio en la localidad portuguesa de Elvas (a 20 kilómetros de Badajoz) y vender desde allí. ¿Qué tiene Elvas?. A lo mejor no se han enterado todavía que el Hermanísimo ya no vive ni ha vivido allí para beneficiarse fiscalmente…

La directora general de Bellas Artes del Ministerio de Cultura, Ángeles Albert, asegura que Cultura “es consciente del problema y trabaja sin descanso para resolverlo, pero que es el Ministerio de Hacienda quien bloquea la decisión de bajar el IVA”.

Preocupa la respuesta. Fundamentalmente por dos motivos: El primero y es que hasta la fecha y que yo sepa, el Ministerio de Cultura y el Ministerio de Hacienda son del mismo gobierno y que no se pongan de acuerdo es un insultante partido de ping pong lamentable. El segundo motivo, es que en Cultura no se han enterado que Hacienda está para recaudar y esquilmar y no para repartir, dejando en entredicho sus entendederas.

Lo que diga Urtasun, digamos que no le importa a nadie ya que mientras SUMAR siga jodiendo al Socio, como que da lo mismo. Esta semana ha pactado con PODEMOS y santas pascuas.

Lo que desde luego tienen razón es que la falta de adopción de un IVA “cultural” como han hecho todos los países europeos de nuestro entorno, está siendo extraordinariamente perjudicial para el arte contemporáneo en España puesto que menoscaba la competitividad de las galerías de arte españolas haciendo prácticamente inviable su labor de defensa, apoyo, promoción e internacionalización del trabajo de nuestros artistas. los galeristas y artistas aseguran que se encuentran en desventaja frente a sectores como el de la música, las artes escénicas o el cine.

¿Qué otras amenazas esgrimen los galeristas? «Dejaremos de hacer todos aquellos trámites que habitualmente realizamos sin cargo alguno para las instituciones, como son: la localización de coleccionistas para préstamos, entrega de material gráfico, búsqueda de archivo, gestión y coordinación de transportes, asesoramiento en montaje, etc.», añade el Consorcio. Aquí la cosa se podría poner algo más seria.

La medida debería ser otra.

Del 2 al 7 de febrero no le importa a nadie del mercado lo que pase en España. Todo pasa fuera: India Art Fair y Dhaka Art, las principales ferias de arte moderno y contemporáneo en la India, que es donde se corta el bacalao de verdad. También se celebra Arte Fiera Bologna , Italia, una de las ferias de arte contemporáneo más antiguas y prestigiosas de Europa. Y para terminar, Zona Maco en Ciudad de México, que incluye múltiples ferias, exposiciones y eventos. Habría que preguntar si el gobierno español ayuda a los galeristas para que estén presentes.

En marzo se celebra ARCO, la feria estatal de arte contemporáneo y que no es más, que un sucedáneo de tercera de las ferias europeas del ramo (y mejor no compararlas con las norteamericanas o asiáticas, para no llorar de vergüenza). A ARCO se vienen a comprar saldos como en FERIARTE.

ARCO no ofrece nada, no es relevante a nivel internacional y a pesar de ser estatal y para promocionar a galeristas y mercado español, un stand en ARCO es un robo a mano armada e inasumible para muchos.

ARCO está pensado para los Golden Visa, los mejicanos y venezolanos que se han quedado con el barrio de Salamanca y también para futbolistas coleccionistas (por cierto, me han dicho que hay uno, que encarga falsificaciones…).

El galerista que participa es muy libre de querer hacerse la foto con los reyes y el ministro, pero no deja de ser un cómplice que forma parte de la tropa de adoratrices. Muchas veces he pensado que participar en ARCO y “pasar por el tubo”, es la venia para que la Tributaria no remueva papeles aquel año.

Pero a las adoratrices culturales les falta dignidad. Si yo fuera galerista con un mínimo de pundonor profesional, me plantaba y dejaba el pabellón de IFEMA más vacío que las estanterías de papel de váter durante el COVID.

Cada obra que cruza fronteras —para una subasta, una feria, una venta privada o una exposición— depende de una infraestructura aérea altamente especializada. No es un detalle operativo: es un factor financiero estructural.

El arte como activo financiero global

El arte ha consolidado su posición como activo alternativo, especialmente atractivo para grandes patrimonios, banca privada y family offices. Su baja correlación con los mercados tradicionales y su capacidad de preservación de valor lo convierten en un instrumento recurrente en estrategias de diversificación.

Según los informes anuales de Art Basel y UBS, el mercado global del arte mueve cada año entre 60.000 y 70.000 millones de dólares, concentrando gran parte de su valor en operaciones internacionales.

Ese carácter global tiene una consecuencia directa: la dependencia absoluta del transporte aéreo.

¿Cuánto dinero mueve realmente el transporte aéreo de arte?

No existe una estadística oficial que agregue el “PIB aeronáutico del arte”. Y no es casual. Se trata de un mercado discreto, fragmentado y altamente protegido.

Sin embargo, el análisis financiero permite una estimación sólida:

Más del 80 % del comercio internacional de obras de arte de alto valor se realiza por vía aérea, debido a exigencias de tiempo, seguridad y control ambiental.

El coste logístico total —que incluye transporte aéreo, seguros especializados, embalaje técnico y handling— representa habitualmente entre un 5 % y un 15 % del valor declarado de la obra, según estudios de aseguradoras y consultoras especializadas.

Si se cruza este rango con el volumen del mercado internacional, el resultado es claro:

El transporte aéreo de obras de arte genera un negocio estimado de entre 3.000 y 4.500 millones de dólares anuales, con márgenes superiores a los del cargo convencional y un riesgo financiero notablemente inferior.

Un mercado pequeño en volumen, grande en rentabilidad

Desde una perspectiva financiera, este segmento presenta características especialmente atractivas:

Bajo volumen físico, pero altísimo valor unitario.

Clientes con elevada solvencia. Alta fidelización y recurrencia.Baja sensibilidad al precio.Elevadas barreras de entrada basadas en reputación y experiencia.

A diferencia de otros mercados de carga aérea, aquí no se compite por toneladas, sino por confianza.

Dónde se concentra el capital ... y por qué importa a la aviación

El mapa financiero del arte coincide con determinados hubs internacionales:

Estados Unidos y Reino Unido lideran el volumen de ventas y subastas.

China consolida su posición como gran mercado estructural.

Suiza desempeña un papel clave como centro logístico, financiero y de custodia.

Hong Kong, Singapur, Francia y Alemania completan el eje.

Todos estos centros tienen algo en común: aeropuertos preparados para operaciones de alto valor, con aduanas especializadas, infraestructuras seguras y operadores formados.

El arte no se transporta: se protege

Desde el punto de vista operativo y financiero, transportar una obra de arte no es mover mercancía. Es gestionar riesgo.

Cada operación exige:

control estricto de temperatura y humedad,

minimización de vibraciones,

cadena de custodia documentada,

seguros puerta a puerta,

planificación de rutas sin contingencias.

En muchos casos, una obra viaja acompañada por un On Board Courier, una figura que refleja hasta qué punto el valor económico y simbólico de la pieza condiciona toda la operación.

Un error no supone solo una pérdida financiera. Supone una pérdida patrimonial irreversible.

La oportunidad de negocio para la aviación (y para la consultoría)

Desde una óptica empresarial, este mercado representa una oportunidad estratégica clara para aerolíneas, operadores de carga, business aviation y aeropuertos:

desarrollo de productos premium específicos,

diferenciación frente al cargo tradicional,

creación de líneas de negocio estables y de alto margen,

posicionamiento reputacional en el segmento de alto valor.

Aquí es donde la consultoría especializada adquiere relevancia. Desde HEKA³ Partners & Associates trabajamos para conectar aviación, finanzas y activos de alto valor, ayudando a estructurar modelos operativos, financieros y regulatorios que permitan a los actores aeronáuticos entrar —o consolidarse— en este mercado con garantías.

No se trata de volumen.
Se trata de estrategia, rigor y visión de largo plazo.

Conclusión financiera

El transporte aéreo de obras de arte es uno de los negocios más invisibles del sistema financiero global, pero también uno de los más sólidos.

Mientras exista capital que invierta en arte, existirá la necesidad de una aviación capaz de protegerlo, moverlo y hacerlo viable como mercado internacional.

Entender este segmento no es una curiosidad cultural.

Es una decisión empresarial inteligente.

Zimmer desarrolla una práctica singular que se sitúa entre la pintura, la escultura y la xilografía. Su método —crear relieves tridimensionales en madera, entintarlos y transferirlos directamente sobre lienzo sin preparar— genera obras únicas, no seriables, donde el valor reside tanto en el resultado formal como en el proceso artesanal. El propio artista define esta técnica como «pintar a través de la escultura», un enfoque que introduce una variable de exclusividad especialmente apreciada en el mercado primario.

Con motivo de la exposición, conversamos con el artista sobre mercado, coleccionismo y sostenibilidad profesional.

Esta exposición supone su primera gran individual en Madrid. Desde una perspectiva profesional y económica, ¿qué representa para usted la entrada en el mercado español en este momento de su carrera?

Es muy importante para mí exponer a nivel internacional. El mercado español está ganando cada vez más relevancia dentro de Europa. Estoy especialmente satisfecho de que Havet Gallery me presente al público español y de comprobar el interés de nuevos coleccionistas por mi trabajo.

Su obra combina pintura, escultura y grabado. ¿Cómo influye esta práctica híbrida en su posicionamiento dentro del mercado del arte contemporáneo?

La técnica que he desarrollado es percibida como algo singular y es valorada muy positivamente. Creo un objeto tridimensional, lo cubro de pintura y lo imprimo sobre el lienzo. A esta técnica la llamo “pintar a través de la escultura”. En el ámbito de la pintura abstracta, no conozco a nadie más que trabaje de esta manera.

Se trata de un proceso claramente artesanal y poco escalable. En un mercado que a menudo premia la producción constante, ¿cómo gestiona la relación entre exclusividad y capacidad de producción?

La escalabilidad en el arte es limitada por naturaleza. En los formatos de gran tamaño trabajo con asistentes, lo que nos permite ser bastante productivos, pero el límite real está en unas tres exposiciones individuales al año. No es un grabado tradicional: cada obra es única y requiere mucho tiempo.

Su trabajo dialoga con referentes históricos como Kandinsky, Albers o la Bauhaus. ¿Cómo percibe la respuesta del coleccionista actual ante esta conexión entre tradición y contemporaneidad?

La respuesta en Madrid está siendo excelente. He tenido conversaciones muy interesantes con coleccionistas frente a las obras. A menudo se sienten atraídos primero por la superficie y, después, profundizan en el proceso y en las referencias históricas. Hay muchas capas que descubrir si uno se implica.

Desde su experiencia internacional, ¿qué diferencias observa entre el coleccionista europeo y el de otros mercados?

Diría que el coleccionista europeo es menos impulsivo y menos arriesgado, pero cuando se compromete con un artista, lo hace a largo plazo. Esa fidelidad es muy valiosa para construir una carrera sólida.

Sus obras enfatizan la materialidad y la presencia física. En un contexto de ventas digitales crecientes, ¿cómo se traslada ese valor al comprador?

La mayoría de las obras de arte y especialmente las mías necesitan verse en directo. La diferencia entre una imagen y la experiencia real es enorme. La superficie, la luz, el material y la presencia física no pueden sustituirse, tampoco la vibración y la energía. El entorno digital solo puede funcionar como una invitación para acudir a la galería y ver la obra en persona.

Como discípulo de Tobias Rehberger, ¿qué aprendizajes considera clave para la sostenibilidad de una carrera artística?

Tomar lo que ya conoces, cuestionarlo y mirarlo como si fuera la primera vez. Mantenerse abierto y curioso es esencial.

¿Cree que los artistas deben desempeñar un papel activo en el discurso económico de la cultura contemporánea?

No demasiado. Una vez que la obra sale de mi estudio, deja de estar bajo mi control. A menudo el valor de mercado tiene más que ver con el relato que rodea a la obra que con la experiencia individual que genera. Yo recomendaría confiar en el criterio propio: si una obra te conmueve y a otros también, su valor crecerá; y si no, también es válido. El arte inicia conversaciones, pero el resto depende del mercado y del público.

La exposición de Hendrik Zimmer en Havet Gallery se presenta así como una oportunidad relevante para el coleccionismo contemporáneo: obras únicas, fuerte carga procesual y un lenguaje abstracto que conecta la herencia de las vanguardias históricas con las dinámicas actuales del mercado europeo.

- la preocupación por un escenario de estanflación (crecimiento débil e inflación elevada),

- el aumento de la deuda pública como porcentaje del PIB,

- la devaluación del dólar estadounidense,

- y las amenazas a la independencia de los bancos centrales.

El interés por el Arte moderno y obras de arte creció de forma sostenida en los últimos años, impulsado por nuevos coleccionistas, galerías independientes y plataformas especializadas. Sin embargo, esta expansión también generó mayor complejidad en los procesos de compra y venta. No todas las piezas tienen el mismo recorrido comercial ni responden a los mismos criterios de valoración, lo que hace necesario el acompañamiento de especialistas que conozcan el mercado y sus dinámicas actuales.

Uno de los principales aportes del asesoramiento es la correcta tasación. Determinar el valor no depende únicamente de la firma del artista. Intervienen factores como la trayectoria del autor, el período en el que fue realizada, el estado de conservación, la técnica utilizada, la procedencia y el interés que despierta en el mercado. Un análisis riguroso evita tanto la subvaloración como expectativas irreales que pueden dificultar la venta.

Además de la valoración económica, los profesionales del sector brindan orientación sobre los canales más adecuados para concretar la operación. No es lo mismo vender a través de una galería, una casa de subastas o de manera privada. Cada opción presenta ventajas y condiciones específicas, desde los tiempos de venta hasta los costos asociados y el perfil de los posibles compradores. Elegir el canal correcto puede marcar una diferencia significativa en el resultado final.

La seguridad es otro aspecto central al momento de vender. El asesoramiento incluye la verificación de la autenticidad, la revisión de la documentación disponible y el cumplimiento de los requisitos legales necesarios. Certificados, contratos y registros son elementos fundamentales para respaldar la operación y evitar futuros conflictos. “En este punto, la intervención de expertos reduce riesgos y aporta tranquilidad tanto al vendedor como al comprador”, afirman en Tandem Antigüedades.

Para quienes no están familiarizados con el funcionamiento del mercado, el acompañamiento técnico también cumple una función pedagógica. Explica los pasos del proceso, aclara dudas frecuentes y brinda información clara sobre derechos y obligaciones. Este enfoque más cercano permite que la experiencia de venta no se limite a una transacción económica, sino que se viva como una instancia de aprendizaje y toma de decisiones informadas.

Desde el punto de vista emocional, desprenderse de una pieza original puede resultar complejo. Muchas forman parte de historias familiares o colecciones construidas a lo largo de los años. Los asesores especializados suelen contemplar este aspecto y trabajar con respeto por el vínculo que el propietario mantiene con la obra. Esta mirada contribuye a generar un clima de confianza y diálogo durante todo el proceso.

En un mercado donde circula información diversa y no siempre confiable, el rol del profesional se vuelve aún más relevante. Su experiencia permite interpretar tendencias, identificar oportunidades reales y anticipar posibles dificultades. De este modo, la venta se desarrolla bajo criterios claros y con expectativas ajustadas a la realidad del mercado.

Vender una obra de arte original con asesoramiento adecuado no solo protege el valor económico de la pieza, sino que también fortalece la confianza en el sistema artístico. Apostar por procesos cuidados y transparentes favorece relaciones más justas y consolida un mercado donde el conocimiento y la responsabilidad ocupan un lugar central.

El Ministerio de Cultura y el de Interior acuerdan reservar plazas en museos estatales para condenados a penas alternativas a prisión. Así, las personas condenadas a cumplir medidas alternativas a la prisión, podrán hacerlo mediante trabajos en instituciones culturales del Ministerio de Cultura, como el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Teatro Clásico, el Museo Nacional del Romanticismo y el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias.

Entre las tareas previstas se encuentran el montaje de escenarios, el movimiento de vestuario, la colocación de sillas o la reorganización de salas en los museos.

La subdirectora de medidas alternativas, ha detallado que estas condenas tienen una duración mínima de 22 días y que una misma plaza puede ser ocupada por diferentes penados. En su mayoría, estas medidas recaen sobre varones condenados por delitos como maltrato o infracciones de tráfico.

Quizás en otro momento político, entiendo que se podría haber perfilado un poco más la propuesta, más allá de un titular fácil y que puede levantar ampollas.

Digamos que puestos a reinsertar, yo lo intentaría primero con penados por delitos poco relacionados con la violencia, comportamiento incívico-criminal o la agresión. Me recuerda a un terapeuta lumbreras de aquel entonces que presumía de aplicar técnicas innovadoras, y que no se le ocurrió otra cosa que meter una cleptómana severa en el departamento de oportunidades del Corte Inglés en Navidad para comprobar si la chica progresaba correctamente. Eso fue hace años y amigos del terapeuta y de la cleptómana esperamos en la puerta del centro con silla alquilada. Fue apoteósico. Y les juro que es verdad.

Digamos que las tareas que desarrollarán los condenados, no chocarán con la de los empleados de estas instituciones, y el temible CSIF (Central Sindical Independiente y de Funcionarios), UGT y CC.OO. incluso no lo considerarán intrusismo o vete tu a saber que vulneración del estatuto y derechos del trabajador.

Digamos que mucho estudiante de Gestión Cultural, Bellas Artes y Artes Escénicas ven que los miserables puestos de trabajo voluntario a los que podían acceder, ahora se lo dan a otros que tal vez, no se han pasado cuatro años estudiando, por lo que mi recomendación sería que además del Grado, vayan pensando en conducir borrachos día si, día no o dar alguna somanta de palos a propios o extraños. Todo son puntos para los nuevos puestos de trabajo.

Digamos que se espera que se creen otros nuevos puestos de trabajo alternativo y que complementen la actividad de los penados. Ya sea la de profesionales que evalúen la capacitación sicológica del beneficiado, sobretodo de delincuentes condenados por maltrato e infracciones de tráfico. Lo del maltrato puede ser amplio: Desde animales a las plantas, pasando por los seres humanos, ya sean familiares o extraños. Con los conductores condenados a talego, sólo me cabe en la cabeza a aquellos hijos de puta que puestos hasta las trancas de cualesquiera substancia, asesinan por esas carreteras de Dios.

Tampoco habría que descartar contratar a ferreteros en paro, que regulen o contabilicen martillos, destornilladores, pegamento y cutters al final de la jornada, no sea que aparezcan luego en los centros penitenciarios. Me preocuparía que dichas herramientas se perdieran ya que están pagadas por el bolsillo del contribuyente.

Digamos que no me parece bien que no se respete la paridad laboral, y que sólo se beneficien de manera prioritaria varones, pero si se piensa bien, es hasta una medida responsable cuando no profiláctica. Teniendo en cuenta como está el patio, mejor dejar a las mujeres bajo llave, que todavía hay mucho encargado machirulo en el funcionariado, ya sea en categoría de afiliado de base o enlace sindical y todos con carné de partido, que se piensan aún aquello del tatuaje legionario del “todas putas menos mi madre”, y ya no hay tanta Sala de lo Penal y de Violencia de Género para acoger más denuncias.

Digamos que se espera que se requiera uniforme o distintivo que indique que el empleado es un penado. Sería lo adecuado para evitar la tentación de la fuga, aunque los que se encarguen de movimiento de vestuario lo tienen más fácil. Desconfíen si ven a un tipo corriendo por la calle vestido de Don Mendo o Juana la Loca. Los que somos de formación clásica, también esperamos que los que se dediquen a la colocación de sillas, no hayan visto películas del oeste con escenas de Saloon o la imprescindible” ¡Todos a la cárcel!” de J.L. García Berlanga.

Digamos que el españolito no tiene muy claro todavía que es esto de la reinserción, y tener cerca a maltratadores y criminales de la carretera cerca, tal vez no le haga demasiada gracia, por lo que se espera que la medida, refuerce sin duda los lazos familiares, ya que siendo el españolito tan celoso de sus mujeres y niños, no les dejará ir solos al baño o perderse por pasillos, aún con el riesgo de incrementar los niveles de neurosis imperante.

Ya se que alguno pensará extrañado que siendo una medida conjunta de Urtasun y Marlaska, hayan dejado fuera de las opciones de reinserción al Museo Nacional de Artes Decorativas, ya saben, el 4M o el Museo Más Marica del Mundo, redenominado así desde el pasado 26 de junio. No sean malpensados. Seguramente ni el ministro ni Marlaska conocen el museo.

Seguramente se ha hecho así para no estigmatizar al condenado, que según me dicen, si el españolito no tiene muy claro todavía que es esto de la reinserción, lo del Queer, no está muy claro en el talego y que tiene sus códigos y refranero: “Al putero se respeta y al marica, el bollate se le peta” (sic).

La propuesta de Zimmer es singularmente atractiva para el coleccionista: lleva su investigación sobre la relación entre pintura y escultura a un nuevo territorio. Su técnica distintiva es el uso de bloques de madera tallados y entintados para imprimir directamente sobre el lienzo sin preparar. Esta fusión de pintura, escultura y xilografía resulta en piezas únicas e irrepetibles, un factor decisivo en la tasación y el valor a largo plazo de la obra. El proceso artesanal convierte la materia en un pensamiento visual que desafía la producción en serie.

Havet Gallery: Un sello de calidad y valor

La elección de Zimmer por parte de Havet Gallery subraya la visión de la sala, dirigida por la segunda generación de la familia Ruíz Coca. La galería se ha consolidado como un puente esencial entre coleccionistas y obras excepcionales, especializándose en artistas que, como Zimmer, combinan un lenguaje vanguardista con una técnica y un corpus de obra bien fundamentado.

La inclusión de Zimmer en su calendario de exposiciones temporales —en el corazón del epicentro de galerías de Madrid— es un fuerte respaldo a su proyección en el mercado español e internacional. Para el coleccionista, la monográfica no solo ofrece la oportunidad de adquirir obras que ya cuentan con un recorrido en ferias como Volta Basel o Art Karlsruhe, sino de invertir en un artista cuya obra goza de una creciente atención por su enfoque riguroso y conceptual.

La exposición, que ha sido inaugurada por el propio artista, reafirma la convicción de la galería de ofrecer piezas exclusivas y valiosas que marcan la pauta en la historia del arte del siglo XXI.

Parece ser que nuestro ministro y sus colegas tener a un chivato en casa, no les gustó y entonces se gestó la purga. La cosa pintaba mal para el pobre C.T. de 67 años que no tiene intención de abandonar su puesto de trabajo. “Tengo 67 años y no quiero jubilarme. Me quieren forzar a hacerlo. Quieren quitarse de en medio a un testigo de lo que han hecho” declaraba.

La purga del soviet de cultura tuvo dos fases: El ostracismo socio laboral y hasta la retirada de su ordenador. Acoso laboral en toda regla por haberse chivado. Pero hete aquí que nuestro experimentado funcionario, también denuncia “corrupción y prevaricación” en las formas de pago de semejante desastre en el archivo, y la purga pasa a expediente disciplinario: tres años y un mes sin empleo y sueldo.

Pero claro, ni nuestro impetuoso ministro ni su camarilla del Instituto de Patrimonio Cultural de España no saben que en la administración nadie se chiva, sino que se denuncian irregularidades. Tampoco deben de tener putaidea que es la temible CSIF (Central Sindical Independiente de Funcionarios) y mucho menos que es Derecho de Indemnidad, es decir, la protección legal que impide que un trabajador sufra represalias por denunciar irregularidades.

Así, la Autoridad Independiente de Protección del Informante, ha certificado que el técnico reúne los requisitos para ser considerado informante protegido y que su testimonio merece protección frente a eventuales represalias.

El ministerio y su titular se la han tenido que envainar y eso duele y escuece, más que nada, porque además de que la purga le haya salido mal, el purgado ha denunciado a directivas del Instituto de Patrimonio Cultural de España por acoso laboral, cosa muy fea y mal vista entre el funcionariado, sobretodo si es para sacarse el muerto de encima.

Y otro día, que nuestro bolchevique de salón, explique a que colegas tiene en Elecnor Infraestructuras, Hydra Ingeniería y Urcotex, las empresas de la chapuza, para cobrar tan rápido y dejar aquello hecho unos zorros.

Y es que purgar, ya no es como en los tiempos del amigo Beria. Ahora te pueden laxar a ti.

Tanto para quienes necesitan resolver una situación puntual como para quienes desean aprovechar el momento óptimo para vender o invertir, el oro se ha reafirmado como un activo protagonista en tiempos de incertidumbre.

“Muchos ciudadanos, motivados por las noticias y por las cifras récord, han comenzado a revisar cajones y joyeros en busca de piezas olvidadas que ahora representan una oportunidad económica inesperada”, cuentan desde Oro Realejo, una tienda cordobesa que ha notado una creciente tendencia de venta.

Con dos establecimientos en la ciudad, han registrado un aumento del 50% en las operaciones de compra respecto al año anterior. Además, confirman la aparición de un nuevo perfil de cliente: personas muy jóvenes que nunca habían vendido oro y que han heredado o recibido piezas de joyería en eventos como comuniones o celebraciones familiares que saben que no van a utilizar y quieren liquidarlas y salir de algún apuro.

Pequeñas joyas, grandes cifras

La revalorización del oro ha multiplicado el valor de piezas pequeñas que, hace una década, habrían alcanzado la mitad de su precio actual.

Una pulsera de 15 gramos de oro de 18 quilates, por ejemplo, puede alcanzar hoy los 1.200€, una cifra que muchos propietarios jamás habrían imaginado y que no fue lo que se pagó al adquirirlas.

Aunque la mayoría de las transacciones se sitúan entre los 5 y 15 gramos, estas pequeñas ventas suelen responder a la necesidad de obtener liquidez rápida: afrontar un imprevisto, financiar una pequeña reforma o resolver un gasto puntual.

Sin embargo, se observa un auge considerable en la venta de grandes lotes procedentes de herencias.

“Con los precios actuales, vender joyas heredadas entre 100 y 200 gramos puede suponer el ingreso de decenas de miles de euros. Es uno de los momentos más favorables para desprenderse de este tipo de patrimonio que no se va a usar”, comentan.

Para esta situación, además, existe la posibilidad de tasación a domicilio para evitar llevar joyas de alto valor por la vía pública. Este servicio permite evaluar las piezas en el propio domicilio, ofreciendo comodidad y, sobre todo, seguridad. Esta posibilidad ha resultado eficaz para llegar a nuevos clientes que de otra manera no se hubieran acercado para valorar las piezas y que terminan formalizando la venta posteriormente en tienda o a través de envíos asegurados.

Aumento en la demanda de lingotes de inversión

No solo quienes desean vender se han visto beneficiados por este contexto.

También ha crecido notablemente el interés por la compra de oro físico en forma de lingotes, un producto valorado por quienes buscan diversificar su capital en lo que los economistas llaman valor refugio.

La demanda, según el local cordobés, ha aumentado alrededor de un 30% respecto al año anterior en piezas y lingotes que tienen una referencia de valor global y están lejos de las regulaciones de los sistemas financieros.

Un mercado impulsado por la inestabilidad global

El repunte de la compraventa de oro, especialmente en pequeñas cantidades, es consecuencia directa de un entorno global convulso.

A pesar del crecimiento en la demanda, la subida abrupta del precio del oro ha reducido considerablemente el margen comercial del sector.

“Para obtener el mismo beneficio que hace diez años, ahora es necesario movilizar el doble de capital. No obstante, el aumento del volumen de ventas compensa en parte esta reducción de rentabilidad, permitiendo mantener una actividad sostenida”, explican.

Otro factor que puede ayudar a salvaguardar nuestro patrimonio museístico, es que el ladrón va poco a los museos, y por tanto, no sabe que se puede robar o no.

Hace un par de años robaron en el museo del Monasterio de Lluc unas joyas (BIC, por cierto) mediante el sistema Fumanchú, es decir, dando el cambiazo por bisuteria comprada en los chinos. Hicieron Fumanchús durante dos años y nadie se dio cuenta, hasta que un torracollons local lo advirtió.

En España hay más de 1.500 museos de todo tipo y condición. En mi opinión los más vulnerables son los eclesiásticos y su rica orfebrería, así como lo que se atesora en iglesias, y que por lo visto lo dejan en manos de la anterior advocación a la Virgencita. Cuando me han preguntado cual sería el mejor sistema de protección en las iglesias, siempre respondo que es el “SALVE 24-365”, es decir, organizar novenas por turnos que cubran las 24 horas del dia, primero porque no hay dinero para otra cosa, y segundo porque no hay ladrón en España con cojones, para enfrentarse a hordas de beatas encabronadas, por solo tocar los pendientes de las tallas. Alguna empresa de seguridad ya se está planteando ofrecer este sistema “SALVE 24-365“ de seguridad LowCost.

“Vale, eso es cosa de los curas. ¿Y los museos?” , me dicen los ateos. En este caso volvemos a la casilla de salida. Si durante la Plaga, el Secuestro Domiciliario y la Libertad Condicional (Covid, Confinamiento y Desescalada para el que no se haya enterado), el procedimiento empleado para proteger los museos, bajo el mandato como Ministro de Cultura de Miquel Iceta alias, el Cascabelitos, alias La Sandunguera, fue sencillo: Cerrar museos, pero no echando el cierre, sino porque precisamente no habían guardas de seguridad suficientes. Ya saben, cosas de convenios colectivos y líos sindicales. Entonces se informaba que: “Se trata de una situación puntual mientras se completan los procesos selectivos de la Oferta de Empleo Público con los que se reforzarán las plantillas de vigilantes”. La cosa es que incluso se entraba gratis porque no había ni personal en taquilla.

Por lo visto, fue tan puntual que persistía en julio pasado y Urtasun el Impetuoso todavía no había solucionado el problema sindical, y así el Museo Nacional de Arqueología, El Museo de America seguían cerrando salas por falta de vigilantes , Habían más museos a medio gas. El Museo del Romanticismo solo abrió las salas de exposiciones temporales. El Museo de Escultura, avisaba de que «ocasionalmente algunas salas podrán estar cerradas a la visita», el Cerralbo solo permitia visitar el piso entresuelo y el Museo de Cerámica y Artes Suntuarias 'González Martí' más transparente, informaba de que «algunas salas de la exposición permanente y las salas de exposiciones temporales podrían estar cerradas al público por motivos de falta de personal de vigilancia». El Museo del Greco también se cerró. El Museo de Artes Decorativas, ya saben, el Museo más Marica del Mundo, según el ministerio, cerró tres plantas «debido a las elevadas temperaturas y a las condiciones térmicas del edificio».

Es de esperar que una vez solucionado el asunto de la Colau Fleet, y sabedor que las intenciones de la brava bucanera, es ocupar plaza en Madrit, y Ser Califa en lugar del Califa , el Joven Urtasun se ponga las pilas. Eso si le da tiempo…

Por lo visto los ladrones de museos en España hacen vacaciones en verano o no leen el ABC, y esta circunstancia, probablemente nos ha salvado de algún desmán museístico, o que tampoco hay mucho que robar.

El Palacio Real, que es el lugar donde se podría sacar más provecho queda descartado. Lo vigila la Guardia Real, y estos no están para bromas.

Poco más o menos, que en la Torre de Londres.

El mercado de las litografías firmadas y numeradas muestra un crecimiento sostenido. Su valor depende de distintos factores: el reconocimiento del artista, la cantidad de copias disponibles y la demanda de los coleccionistas. Los autores con trayectoria consolidada suelen generar mayor interés, lo que influye en el precio final. Las ediciones limitadas, por su parte, resultan especialmente atractivas porque ofrecen piezas únicas dentro de una serie finita, algo que aumenta su interés en el ámbito del arte contemporáneo.

En los últimos años, esta tendencia ha ganado terreno gracias al renovado interés por las obras gráficas. Este auge se debe en gran medida a la accesibilidad del formato frente a las pinturas originales, muchas veces de alto costo. Permiten disfrutar del trabajo de artistas reconocidos sin necesidad de realizar grandes inversiones, lo que amplía la base de coleccionistas y promueve un acceso más amplio al arte. Este fenómeno ha impulsado nuevas formas de consumo cultural y una relación más directa entre público y creadores.

El incremento del interés también se refleja en la cantidad de ferias y exposiciones dedicadas a esta disciplina. Estos espacios cumplen una doble función: difunden el trabajo de los artistas y facilitan el encuentro entre coleccionistas, galeristas y público general. En las muestras, se puede observar el proceso de creación, conocer las técnicas utilizadas y adquirir obras directamente. Este tipo de interacción favorece el conocimiento del oficio y fortalece la comunidad artística alrededor de la gráfica contemporánea.

Desde Tandem Antigüedades afirman que “comprender cómo se realiza una pieza permite valorar su dimensión técnica y creativa. Cada etapa, desde la preparación de la piedra o la plancha hasta la impresión final, requiere precisión y dominio”. Los artistas deben controlar factores como la presión, la tinta y el papel para obtener resultados consistentes. Para quienes adquieren estas obras, conocer ese proceso suma valor a la experiencia y al vínculo que se establece con la pieza.

Aunque es una técnica con más de dos siglos de historia, ha incorporado recursos actuales. Hoy muchos creadores combinan procedimientos tradicionales con herramientas digitales. Este diálogo entre lo manual y lo tecnológico amplía las posibilidades estéticas y da lugar a estilos más diversos. Las nuevas generaciones de artistas exploran materiales, colores y formatos que actualizan la disciplina y la adaptan a los lenguajes visuales contemporáneos.

El mercado del arte gráfico se beneficia de esta renovación. La oferta es cada vez más amplia y permite a los coleccionistas acceder a propuestas de artistas emergentes y consolidados. Esta diversidad estimula la competencia, promueve la experimentación y da visibilidad a nuevas voces dentro del circuito cultural. La expansión de plataformas digitales y ferias internacionales también ha contribuido a que las obras circulen con mayor facilidad, potenciando su alcance global.

Las litografías con firma y numeración se han transformado en un punto de encuentro entre tradición y modernidad. Ya no se las percibe solo como reproducciones, sino como expresiones con identidad propia dentro del arte gráfico. Su adquisición no se limita a un gesto de inversión, sino que representa una forma de participación activa en el mundo del arte.

El interés creciente por esta técnica confirma una tendencia que combina accesibilidad, valor y creatividad. Cada nueva tirada mantiene vivo un oficio que sigue adaptándose a su tiempo. La litografía, en su versión contemporánea, continúa abriendo caminos para que más personas se acerquen al arte y lo incorporen como parte de su vida cotidiana.

Este tipo de proyectos busca fortalecer la relación con las personas. No se trata solo de decorar un espacio, sino de generar una pieza que tenga sentido para quien la adquiere. En Plena Artis, un referente en el sector, explican que “cada creación es el reflejo de una conversación entre el artista y el cliente, lo que convierte al cuadro en algo más que un objeto decorativo; es una extensión de la identidad de quien lo encarga”. Esta visión ayuda a entender por qué las piezas a medida están ganando terreno en un público que valora cada vez más la personalización.

Las técnicas utilizadas son diversas. Algunos artistas optan por la pintura tradicional, mientras que otros combinan materiales y estilos contemporáneos. El uso de medios mixtos amplía las posibilidades estéticas y permite crear composiciones que se adaptan a distintos ambientes. La variedad de formatos y estilos también facilita que cada persona encuentre una propuesta acorde a sus preferencias, ya sea una obra moderna, figurativa o abstracta.

Una característica distintiva de este movimiento es la posibilidad de numerar o certificar cada pieza. Este detalle, que hasta hace poco era habitual solo en piezas de colección, otorga valor y autenticidad a las obras. Además, involucra al comprador en la creación, fortaleciendo su vínculo con el artista. Esa participación directa convierte la adquisición en una experiencia más cercana y significativa.

Los negocios que adoptan este enfoque también cumplen un rol importante para los creadores locales. Ofrecen un punto de encuentro donde los artistas pueden exhibir su trabajo y llegar a nuevos públicos sin depender de galerías tradicionales. Esta apertura democratiza el acceso y fomenta la economía creativa. En muchas ciudades, estos espacios se han transformado en verdaderos motores culturales, al promover el talento emergente y generar oportunidades de colaboración.

El crecimiento de las plataformas digitales ha potenciado esta tendencia. Hoy es posible explorar catálogos, encargar obras y contactar directamente con los artistas a través de redes sociales o sitios web especializados. Esta modalidad facilita la visibilidad y amplía el alcance de las tiendas, que ya no dependen únicamente de un espacio físico. Los clientes pueden seguir el proceso de creación a distancia y participar en cada etapa, desde el boceto inicial hasta la entrega final.

El papel de estos espacios en el panorama actual trasciende la simple venta de productos decorativos. Representan un cambio en la manera de relacionarse con el arte, donde cada cliente se convierte en parte activa del proceso creativo. Esa cercanía redefine el valor de la obra y refuerza la idea de que el arte no pertenece solo a los museos, sino también a la vida cotidiana.

La expansión de esta tendencia refleja un interés genuino por la individualidad y la expresión personal. En un mercado que tiende a la uniformidad, la posibilidad de encargar una obra única se convierte en una forma de recuperar la conexión con lo auténtico. Esta visión, centrada en la creatividad compartida y en el respeto por el trabajo artesanal, apunta hacia un futuro donde el arte será cada vez más accesible, participativo y cercano a las personas.