Según el informe Los sectores culturales y creativos en España, elaborado por la Fundación Cotec en 2025, cada euro invertido en estos sectores genera un retorno de hasta 1,75 euros para la economía, un efecto multiplicador superior al de la construcción o el turismo.

Raíz Urbana es el área de beon. Worldwide dedicada a dar nuevas vidas a espacios con historia. No construye desde cero: activa lo que ya existe. Diseña la narrativa, produce la experiencia y opera el espacio, con 25 años de capacidad in-house detrás de cada proyecto.

El modelo de trabajo se articula en tres fases integradas:

• Diseño: narrativa y concepto del espacio desde el primer brief.
• Producción: ejecución in-house —carpintería, audiovisual, iluminación, vestuario—, sin dependencia de terceros.
• Operación: gestión del espacio activo, ya sea como venue para eventos, espacio cultural o equipamiento para la ciudadanía.

La intervención técnica la ejecuta el cliente o los organismos competentes. Lo que Raíz Urbana aporta es lo que hace que un espacio esté verdaderamente rehabilitado: la experiencia que lo llena, el relato que lo sostiene, la operación que lo mantiene vivo.

Este proyecto nace de la inspiración de Darío Regattieri, CEO de beon. Worldwide, distinguido con el Premio Internacional Gregorio Arcos por su contribución a la conservación del patrimonio teatral y la recuperación de espacios escénicos. Una apuesta personal con el objetivo de dar una nueva vida a espacios históricos para que la cultura y el desarrollo vuelvan a ser protagonistas.

La compañía ya ha liderado la activación de espacios emblemáticos que avalan el modelo, como el Pabellón de Canadá (Expo'92, Sevilla), convertido en un nuevo espacio para eventos dentro de la Isla de la Cartuja, o el Teatro Calderón de Madrid y su terraza, el espacio Lírico, uno de los rooftops más importantes de la capital.

En estos momentos, Raíz Urbana está inmersa en la recuperación del Cine Jerezano, un espacio emblemático que cerró hace 25 años. Todos estos proyectos se pueden ver en la web oficial raizurbana.es.

La nueva unidad se abre a la recuperación de espacios en toda España, en colaboración con administraciones públicas, patrimonio local, fundaciones culturales y patronatos, promotores privados, fondos de inversión y organismos de turismo, con el fin de conseguir que esos lugares con historia tengan un nuevo futuro, generando un desarrollo único cultural y social desde cada activación.

Además, estos mismos cómics, junto con los ganadores y seleccionados en la quinta edición del certamen, formarán parte de una exposición en el mes de diciembre en Espacio Joven Fundación Ibercaja, dentro del Salón del Cómic de Zaragoza, para posteriormente itinerar por los centros de la entidad en Logroño, Huesca, Guadalajara y Teruel.

Este concurso se consolida como una plataforma para artistas emergentes del cómic y la ilustración, brindándoles no solo visibilidad, sino también la oportunidad de rendir homenaje a una de las más grandes figuras del arte universal.

Manual para reconocer a los monstruos

De la obra ganadora, el jurado ha destacado su colorido, atrevimiento y estructura formal, entrelazando múltiples historias y personajes dentro de una misma composición visual. La autora utiliza una paleta de colores audaces con tonos eléctricos y contrastados que capta la atención de inmediato. Las composiciones son corales y las viñetas están repletas de personajes con microhistorias que invitan al espectador a mirar de cerca. La geometría y simetría estructuran la obra con líneas limpias y patrones geométricos definidos que aportan orden al caos visual, a su vez, diseño y color se dan la mano, dando lugar a un cómic moderno cuyas páginas funcionan como un retrato costumbrista de nuestro presente. El planteamiento resuelve perfectamente el paralelismo entre algunos de los Caprichos que Goya concibió en su tiempo y los seres que deambulan por nuestra sociedad.

Algo nuevo

Sobre el segundo premio, el jurado ha hecho referencia a su excelencia narrativa y fuerza expresiva. Se trata de una propuesta visual enmarcada en la línea clara, de trazo limpio pero enérgico para delimitar figuras y expresiones, otorgando a sus personajes un gran peso visual. El dibujo, limpio y optimista, aparece al servicio de una historia que, de nuevo, nos traslada a un presente de imagen amable. La autora captura hábilmente el pasado y lo adapta a una estética juvenil y accesible, desde una perspectiva fresca en la que el color marca el tono amable en sus composiciones. En este cómic, Goya descubre su legado y el mundo del cómic, que asimila con curiosidad y gusto por la novedad, lo que sin duda hubiera encajado con su forma de ser.

Manuela Serrat

Manuela Serrat (Barcelona, 1996) es diseñadora gráfica por la Universitat Carlemany y Máster en Motion Design por ESDESIGN. Como ilustradora, ha expuesto su obra en la Boomer Gallery de Londres, en la Bienal de Pintura Joven de Ourense, así como en la Bienal de Cartel Bolivia BICeBé. Entre sus reconocimientos, ha sido ganadora del Concurso de Imagen Gráfica de la Festa Major de Gràcia en 2025.

Saioa Maritorena

Saioa Maritorena (Leitza, Navarra, 2003) es estudiante del último año del grado en Creación y Diseño en la Universidad del País Vasco. Entre sus reconocimientos, están el Premio al mejor guion juvenil en el Festival de Cine Fescila y el segundo puesto en el concurso de cómics Galtzakomik en 2025. En septiembre de este año, publicará su primera novela gráfica.

El jurado, presidido por Juan Royo, ha destacado el alto nivel artístico y técnico de los participantes, lo que refleja el creciente interés por el cómic como medio de expresión artística.

Fomentar la obra y la figura de Goya

Fundación Ibercaja, dentro de su compromiso por impulsar y acercar la cultura y el arte en todas sus manifestaciones, ha organizado esta quinta edición del concurso nacional de cómic “Universo Goya”, dirigido a jóvenes entre 18 y 30 años. La convocatoria mantiene su objetivo de fomentar el conocimiento del pintor aragonés y de su magnífica y única obra, que continúa inspirando e influyendo a los artistas en la actualidad.

Con este nombramiento, Berklee reconoce la visión artística de Eric Whitacre, sus innumerables aportaciones como compositor y director de orquesta, y su firme compromiso con la educación musical y la colaboración artística.

Considerado como una de las figuras más influyentes de la música clásica contemporánea, Whitacre ha transformado el panorama de la música coral gracias a una trayectoria que integra la música acústica, la tecnología y los proyectos multimedia, ampliando las posibilidades creativas de este género y acercándolo a públicos de todo el mundo.

“Señor Whitacre, es un privilegio reconocer en este acto su trayectoria. Hoy celebramos su extraordinaria carrera multidisciplinar y su compromiso con la educación musical, reflejado también en sus numerosas colaboraciones con Berklee. Es un honor para mí hacerle entrega del título de Doctor Honoris Causa en Música”, afirmó Pilon durante la ceremonia.

“Vosotros como músicos, tenéis el extraordinario privilegio de poder llevar ese espíritu de unión a un mundo que tanto lo necesita”, afirmó Whitacre durante su intervención. “Sois guardianes de la compasión. Sois alquimistas de la empatía. Vuestra misión, vuestra auténtica vocación, es ser la nave que, generosamente, transporte a quienes lo deseen a través del río. No es un camino fácil. Con toda probabilidad encontraréis muchos obstáculos y menos victorias de las que esperáis. Pero es una vocación que merece la pena; una vocación necesaria, y algo hermoso a lo que dedicar vuestra vida”.

El acto de graduación contó también con la participación de la artista y compositora Carla Patullo, ganadora de dos premios Grammy y antigua alumna de Berklee Valencia. Durante su intervención, Patullo animó a los estudiantes a mantener viva la curiosidad, seguir aprendiendo, abrazar la incertidumbre y, sobre todo, confiar en su propia voz. Y añadió: “Nadie más ha vivido vuestra historia, ni vuestra experiencia. Nadie percibe el mundo de la misma manera que cada uno de vosotros. Esa es vuestra mayor fortaleza.” Añadió.

Durante la ceremonia, 116 estudiantes procedentes de 34 países recibieron el título de Músicas actuales con especialización en producción, Producción musical, tecnología e innovación; Composición de bandas sonoras para cine, televisión y video juegos; y Negocio de la música y el entretenimiento.. Además, este año ocho estudiantes completaron el programa de post máster de Berklee.

Los investidos con el título de doctor honoris causa por Berklee son reconocidos por sus logros e influencia en el mundo de la música, así como por sus grandes contribuciones a la cultura estadounidense e internacional. Los galardonados anteriores incluyen a Duke Ellington (el primero, en 1971), Aretha Franklin, Quincy Jones, Loretta Lynn, Juan Luis Guerra, Annie Lennox, Paco de Lucía, George Clinton, Rita Moreno, A. R. Rahman, Missy Elliott, André 3000, Jacob Collier y Jill Scott, entre otros. En los últimos cinco años, el campus de Berklee Valencia ha concedido este reconocimiento a Gilberto Gil, Alberto Iglesias, Yvette Noel-Schure, Youssou N'Dour y Patrick Doyle.

Están pasando muchas cosas, y 'Herrera en COPE', 'Mediodía COPE', 'La Tarde' y ‘La Linterna’ seguirán acercando a los oyentes, allá donde vayan en sus vacaciones, la mejor información, análisis de la actualidad y entretenimiento. Además, Carlos
Herrera, Jorge Bustos, Alberto Herrera, Ángel Expósito, Pilar García Muñiz y Pilar García de la Granja presentan formatos especiales como ‘La hora de Jorge Bustos’, ‘La hora de los fósforos’ o Los viajes en el tiempo de La Tarde de COPE, entre otros.

El fenómeno viral de Mario Alonso Puig, uno de los mayores expertos en desarrollo personal y liderazgo y colaborador de ‘Herrera en COPE’, volverá a tener un espaciopropio los fines de semana. También la historiadora Ana Velasco acompañará a
Alberto Herrera este verano respondiendo a las dudas sobre cuestiones relacionadas con la historia en ‘Habitar la posteridad’.

COPE te acerca el eclipse histórico de agosto y revive la memoria de la tragedia de BiescasEl verano también traerá algunos de los acontecimientos más esperados del año y COPE estará allí para contarlos. Una de las grandes citas llegará el 12 de agosto con el eclipse solar total, un fenómeno único que convertirá a España en el epicentro de la astronomía mundial y atraerá a miles de científicos y aficionados de todo el mundo para contemplarlo. Como antesala de este acontecimiento, el fin de semana previo la cadena estrenará 'Esperando el eclipse', un programa especial con Ana Huertas que descubrirá todas las claves de este extraordinario fenómeno astronómico.

Coincidiendo además con el 30.º aniversario de la tragedia de Biescas, COPE estrenará el reportaje especial 'La carta de Biescas: 30 años de la tragedia', que recupera los testimonios de quienes vivieron aquella riada y analiza las lecciones que dejó una de las mayores catástrofes naturales de nuestro país tres décadas después.

Novedades en la programación

Además, COPE refuerza su programación con nuevos formatos y ediciones especiales que amplían su oferta de entretenimiento, divulgación y análisis. Una apuesta por contenidos propios que acompañarán a los oyentes durante los meses estivales con nuevas voces, historias y perspectivas.

Diego Garrocho volverá a ponerse al frente de ‘Filosofía de bolsillo’ para ofrecer a los oyentes una perspectiva única de los temas de actualidad aplicando su análisis ético y filosófico. También en ‘Dosier COPE’ se profundizará en temas sociales que están a la orden del día como las ciberestafas, el "giro católico", que analiza el creciente interés por la fe y el cristianismo entre los jóvenes, o cómo trabajamos los españoles.

Llegan las ediciones especiales de ‘Lo que viene’, con José Ángel Cuadrado que descubrirá las últimas novedades tecnológicas y tendencias de futuro; ‘Pantalla grande’, con Jerónimo José Martín y Juan Orellana y lo mejor del cine; y el ‘Grupo Risa’ seguirá haciendo de las suyas. Y en ‘Lo que casi nadie sabe’, Gonzalo Zaballa e Iñigo Palomar nos llevarán de viaje por la historia, la ciencia y la cultura para conocer datos curiosos y secretos ocultos.Todos los contenidos de COPE estarán disponibles en antena, COPE.es, la app y redes sociales, donde la cadena mantiene su apuesta por nuevos formatos ynarrativas para ofrecer nuevas experiencias a los oyentes y usuarios, con contenidos exclusivos y bajo demanda.

COPE afronta este verano tras cerrar una temporada histórica. La cadena es líder de la escucha por streaming a través de internet, con Carlos Herrera como referente de las mañanas con 2,6 millones de oyentes diarios y con el equipo deportivo número uno en ‘Tiempo de Juego’.

El fuego del alma española bajo las estrellas

Bajo el título «Lorca, Falla y Estrella Morente: el fuego del alma española», el espectáculo propone un viaje por algunas de las páginas más emblemáticas de nuestro patrimonio musical. En la primera parte, la artista granadina interpretará una selección de las Canciones españolas antiguas recopiladas por Federico García Lorca, con piezas tan reconocidas como Anda, jaleo, Los cuatro muleros o El Café de Chinitas.

La segunda parte estará dedicada a El Amor Brujo, la obra maestra de Manuel de Falla en su versión original de 1914. Una partitura llena de pasión, misterio y fuerza dramática que, en la voz de Estrella Morente, adquiere una intensidad única y convierte el concierto en un homenaje a la esencia cultural de España. Todo ello en un escenario poco habitual: la Plaza de Toros de Navacerrada, donde el entorno natural de la Sierra de Madrid, el cielo abierto y la cercanía con el escenario crean una atmósfera íntima, capaz de multiplicar la emoción de cada interpretación.

Una velada para saborear y prolongar la emoción

Antes de que Estrella Morente suba al escenario, Box Art Alpino invita a llegar a Navacerrada con tiempo para disfrutar de una cena en su restaurante gastronómico Cedro, donde la cocina creativa y el producto de temporada prologan una noche dedicada a la cultura y la emoción.

El menú degustación comienza con una sucesión de pequeños bocados como el bombón crujiente de salmorejo estilo Cajún, el ceviche de sardina a la madrileña, el rollito de atún rojo con caviar, guacamole y crema agria, el buñuelo líquido de cocido madrileño y la croqueta cremosa de sepia de Palamós. El recorrido continúa con platos como la mousse de castañas con alcachofa crujiente y foie, el bogavante al Jerez con papa aliñá, el arroz cremoso de gallina ahumado en roble, el salmón a la Genoblesa, la picaña de wagyu ahumada con puré de mantequilla negra y perlas de miel de lavanda o el Pad Thai de albóndigas de rabo en tempura, antes de concluir con dos postres: naranja sanguina con arándanos y hierbabuena y tarta brûlée de queso de la sierra con pera asada.

Tras el concierto, a apenas unos minutos de la Plaza de Toros de Navacerrada, Box Art Alpino permite prolongar la magia de la velada en un refugio contemporáneo integrado entre cedros y pinos. Sus 23 habitaciones, decoradas con obras de arte contemporáneo, invitan a despertar sin prisas después de una noche de música, mientras que su spa ofrece el broche perfecto para una escapada donde naturaleza, bienestar y cultura conviven en un mismo plan. La experiencia de incluye cena y alojamiento (desde 400 euros para dos personas). No incluye la entrada al concierto, disponible AQUÍ.

¿Cuándo y dónde podemos verlo?

Barcelona Teatro Apolo Del 17 al 28 de junio de 2025

Madrid Teatro Gran Vía Del 30 de junio al 2 de agosto de 2025

Otras ciudades en España: En diversas ciudades españolas en navidades 2026/27.

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Es una experiencia visual y musical en la que los niños suelen disfrutar mucho. La historia es sencilla de seguir y la puesta en escena es llamativa. Es más recomendable para niños a partir de 5 o 6 años para que puedan aguantar la duración completa del espectáculo.

¿Cuánto dura la función?

Dos horas con un descanso.

¿Hay que ir muy arreglado?

No existe una norma estricta, pero el ballet es una ocasión especial y el público suele ir con ropa elegante o semiegante. Tomarlo como una salida especial forma parte de la experiencia.

¿Se puede aplaudir durante la función?

Sí. En ballet es habitual aplaudir al final de las escenas, no solo al final de cada acto. Si el público aplaude, puedes unirte sin ningún problema.

¿Por qué ver ballet en directo y no en vídeo?

Porque son dos experiencias completamente distintas. El ballet es un arte escénico que solo alcanza su verdadera dimensión en el contacto directo entre los artistas y el público. Cada función es única e irrepetible: aunque la obra sea la misma, la interpretación nunca lo es.

¿Se agotan las entradas?

Las funciones de grandes ballets clásicos con compañías internacionales de este nivel suelen registrar alta demanda, especialmente en fechas de fin de semana y en los últimos días de la gira. Si tienes claro que quieres ir, lo más recomendable es no esperar.

¿Dónde compro las entradas?

Haciendo click este enlace. Encontrarás todas las fechas disponibles para el Teatro Apolo de Barcelona y el Teatro Gran Vía de Madrid.

La exposición, que permanecerá abierta del 24 de junio al 30 de agosto en el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico-CSIC, propone examinar cómo estos dos creadores taiwaneses, arraigados en la experiencia local y en diálogo con el contexto actual, realizan una traducción y reconfiguración transcultural mediante recursos formales como la tinta, la fotografía, la instalación y los manuscritos documentales, entre otros medios mixtos.

En la conferencia de prensa celebrada para presentar la exposición, el embajador Lino Cheng ha recordado que aunque a Taiwán se lo conoce internacionalmente sobre todo por su tecnología, sus semiconductores y su liderazgo en inteligencia artificial, “nuestra identidad es mucho más rica”. “Esta exposición – ha dicho - es la oportunidad perfecta para demostrar que nuestra producción cultural y artística está a la altura de nuestra vanguardia tecnológica”.

En el posterior acto de inauguración, el embajador se ha referido al significado del título de la exposición, y ha matizado al respecto que “a través de esa dualidad sugerida en el título, de la comunión entre la tierra y a través del aire y de todo lo que semejante ideal puede llegar a significar, siento muy de cerca el paisaje tan característico de mi país de origen”. “Como taiwanés, con la contemplación de estas obras me siento capaz de emprender un viaje imaginario que va desde la terrenal añoranza de nuestras raíces hasta la celestial búsqueda de libertad", ha añadido.

La directora del Real Jardín Botánico-CSIC, María-Paz Martín, ha añadido que “la muestra no sólo presenta al mundo cómo los artistas taiwaneses transforman la tradición con un lenguaje contemporáneo, sino que también, a través de la armonía de diversos materiales, revela la riqueza y complejidad de la cultura visual de Taiwán. En este espacio de diálogo creativo de dos generaciones, los artistas transforman materiales, técnicas y tiempo en imaginaciones fantásticas y poéticas, reflejando la delicada y elegante estética contemporánea taiwanesa”.

Pu-Chun Teng, quien con puntos de tinta graba paisajes de «roca firme» en territorios extraños, y Mia Liu, quien, con el papel, despliega la ligereza de las «plumas en vuelo» despliegan una verdadera sinfonía visual asentando el primero su obra sobre la tierra, mientras que la segunda parece hacerla levitar por el cielo. De ahí que la exposición tome como coordenadas la piedra y la pluma, delineando así la doble mirada de ambos artistas sobre la vida, la cultura y el cosmos.

Algunas de las obras expuestas parten de la «pintura tradicional en tinta», a la que ambos artistas —pertenecientes a generaciones distintas— otorgan una nueva expresión contemporánea. Las obras revelan una profunda fusión entre la tradición estética oriental y las formas contemporáneas occidentales. No se trata solo de un giro técnico, sino de una deconstrucción consciente de los paradigmas heredados. A través de esta narrativa polifónica, la exposición pretende articular el singular sistema de referencias estéticas del arte contemporáneo taiwanés en el horizonte de la globalización.

Tras años de residencia en Hualien (Taiwán) el paisaje pétreo de esta región se ha convertido para Pu-Chun Teng en el cimiento de su imaginación. A través del detallado trazo de puntos de tinta y finas texturas, plantas y piedras originalmente tranquilas se transforman en paisajes en metamorfosis que, mediante deformaciones, torsiones y superposiciones, se convierten en escenarios que transitan por los márgenes de lo real.

De manera análoga, los bloques rompeolas y las piedras costeras de Hualien también son abordados por Mia Liu mediante la práctica de la «pintura en el paisaje» (landscape painting), combinando fotografía y paisaje. Sobre la superficie de plantas y rocas, organiza puntos y líneas de manera repetitiva, prolífica y continua, construyendo una trayectoria de percepción única. Cada punto es independiente y a la vez interconectado, convergiendo finalmente en la poética sensibilidad distintiva de la artista.

UN CREADOR DE ÉXITOS CON COMPROMISO SOCIAL

La visión de Páez destaca por su capacidad para conectar con el público masivo a través de obras con un fuerte trasfondo social y una estética contemporánea. En los últimos años, ha consolidado su trayectoria produciendo y dirigiendo montajes de gran formato a nivel nacional como “No morderás”, “Bienvenido a los 80 y 90, el musical” o “Drácula”, entre muchas otras producciones realizadas para la compañía internacional Fever.

Tras el fenómeno de La Noche del Año —que agotó entradas durante seis meses en plena pandemia—, el director ha encadenado proyectos de gran impacto mediático:

● "Yo soy Karina": El aclamado regreso a los escenarios de la mítica artista, un estreno que ha situado a Páez en el foco de los principales medios de comunicación nacionales.

● "Gymbros": Su apuesta más reciente, que explora nuevas estéticas y narrativas contemporáneas en la escena actual.

● Giras nacionales: Producciones como Bienvenidos (tributo a los 80 y 90) continúan recorriendo los principales teatros de España con un éxito rotundo de crítica y público.

● LGTBIQ+: Su labor por la diversidad ha sido reconocida con el Premio Arco-Ávila (2023) y la Bandera de la Militancia de COGAM (2024), integrando la visibilidad de forma orgánica en todas sus producciones.

REFERENTE COMO PRESENTADOR Y MAESTRO DE CEREMONIAS

La versatilidad de Víctor Páez se extiende más allá de la dirección. Su carisma le ha llevado a ser el presentador en Madrid de Bingo Loco, la animación de bingo más importante del mundo con presencia en más de 30 capitales. Además, es una figura imprescindible en los escenarios principales del Orgullo LGTBIQ+ de Madrid y en eventos corporativos para marcas globales como Pepsi y Fever.

"No busco 'estrellitas' que solo vengan y actúen; busco creadores que quieran sacar adelante proyectos con alma", afirma Páez. Su filosofía de "crear la oportunidad donde no existe" le ha permitido maridar la rentabilidad del sector eventos con un mensaje artístico necesario, consolidando a La Opción Producciones como un referente de calidad y vanguardia en el panorama nacional.

Preservar sin frenar el acceso a la información

El desafío era claro: conservar documentos extremadamente sensibles sin comprometer su accesibilidad inmediata. No se trataba únicamente de digitalizar archivos, sino de dotarse de la infraestructura de captura adecuada tanto para la tipología documental existente como para las necesidades operativas de eficiencia y eficacia en el proceso de captura. La infraestructura debía responder a exigencias críticas como el escaneo sin contacto, la reproducción en alta resolución y también a la ingesta automática de grandes volúmenes de información que permitiera garantizar la integridad y seguridad de la información.

En este contexto, la tecnología de PFU —división de escáneres de Ricoh— ha sido clave para dar respuesta a una necesidad que va más allá de la eficiencia operativa: garantizar la veracidad de la información en un ecosistema mediático global.

“Los escáneres de documentos de PFU son más que dispositivos. Forman parte de la infraestructura operativa. Apoyan la preservación, la verificación y la comunicación: todo lo que hacemos”, destaca Jesus Cabañas, Regional Manager de PFU en Iberia.

Para ello, el Dicasterio ha integrado soluciones como el ScanSnap SV600, que permite digitalizar materiales encuadernados sin manipulación agresiva, junto con la serie fi, diseñada para el procesamiento intensivo de documentos, combinando preservación y productividad en un mismo entorno.

De archivo físico a infraestructura digital basada en datos

El resultado ha sido una transformación profunda: el Vaticano ha evolucionado desde un modelo centrado en el papel hacia un archivo digital estructurado, accesible y basado en datos.

Este cambio ha tenido un impacto directo en su operativa diaria, permitiendo una entrega más rápida de materiales a medios internacionales, procesos más ágiles de verificación de contenidos históricos y una reducción significativa del riesgo de desinformación. Además, ha facilitado un uso más transversal de los archivos, especialmente en el ámbito fotográfico.

“Este caso demuestra que la digitalización no es solo una cuestión de eficiencia, sino de confianza. En entornos donde la información es crítica, la fiabilidad tecnológica marca la diferencia”, señala Cabañas.

Un proyecto en evolución que anticipa el futuro de los archivos históricos

Tras el éxito de esta iniciativa, el Dicasterio ha puesto en marcha un ambicioso proyecto de digitalización que abarca la totalidad de su biblioteca, incluyendo miles de fotografías que serán escaneadas y, en parte, puestas a disposición del público en el futuro.

El desarrollo contempla la adopción de soluciones avanzadas de gestión documental y tecnologías como RAG (Retrieval-Augmented Generation), que permitirán mejorar la recuperación de información y avanzar hacia un archivo aún más sofisticado, con digitalización de imágenes a 600 dpi.

También se espera trabajar en una segunda fase en un proyecto de IA.

Más allá del caso concreto del Vaticano, este proyecto refleja un reto compartido por numerosas instituciones a nivel global —desde bibliotecas y museos hasta universidades y organismos públicos—: gestionar el pasado sin renunciar a la inmediatez del presente.

Hoy, la digitalización ya no es una elección entre preservar o acceder, sino la única vía para garantizar ambas dimensiones con rigor, fiabilidad y continuidad en el tiempo.

Las diez categorías de los II Premios AMAE son:

• Largometraje de ficción

• Largometraje documental

• Serie de ficción

• Serie documental

• Cortometraje y mediometraje

• Programa de entretenimiento

• Programa de reportajes y actualidad

• Videoclip

• Publicidad

• Ayudantía de montaje.

Se trata de unos premios abiertos a profesionales del montaje audiovisual -sean o no miembros de la asociación- de cualquier sector audiovisual, entre los que se encuentran cine, series, televisión, entretenimiento, publicidad o videoclip, entre otros.

La incorporación de la categoría de Ayudantía de montaje supone un reconocimiento explícito a una figura esencial en el proceso de edición, habitualmente invisible para el gran público pero determinante en el resultado final de cualquier producción. Además, tal como se expone en los estatutos de AMAE, la asociación existe (entre otras motivaciones) para reivindicar, promover, poner en valor y dar visibilidad a la figura de la ayudantía.

Además, y fuera de competición, esta II edición de los Premios AMAE incorpora el Premio de Honor, un galardón especial que reconoce trayectorias excepcionales en el campo del montaje audiovisual en España.

Gala II Premios AMAE y entidades colaboradoras

La entrega de los II Premios AMAE tendrá lugar el sábado 28 de noviembre en la Cineteca (Madrid), en una gala de la que se ofrecerán detalles más adelante.

La segunda edición de los Premios AMAE es posible gracias al apoyo del Ministerio de Cultura a través del Plan de Derechos Culturales, y al patrocinio de Madrid Film Office, La Cineteca y Adobe.

Azucena Baños, presidenta de AMAE, declara que “los Premios AMAE son una excelente oportunidad para el reconocimiento de nuestro oficio, aún muy desconocido para el gran público y gran parte del propio sector audiovisual, pero crucial para la experiencia audiovisual de espectadores y espectadoras. Animamos vivamente a inscribirse a esta segunda edición a personas que se dediquen al montaje en cine, series, ficción, documental, entretenimiento, televisión, formatos digitales, publicidad o videoclip, sean socios/as o no. Desde AMAE nos hemos propuesto dar a conocer este mundo y ponerlo en valor visibilizando los mejores trabajos, ¡envíanos el tuyo!”

Por tercer año consecutivo, The Music Box se propone acercar al público una amplia oferta musical que refleja el espíritu de Noches del Botánico. Tras su paso por este espacio cultural, los asistentes podrán disfrutar de la oferta gastronómica, la vinoteca, el Mercado del Encanto y otros espacios que conforman la experiencia completa del festival, en un espacio único en plena naturaleza.

Además, El Corte Inglés ha preparado en centros de Madrid los espacios “La música empieza aquí”, una muestra agrupada de vinilos de los artistas que forman parte del cartel. Así, la compañía brinda a los clientes la oportunidad prepararse para el festival y de amenizar la espera a ritmo de sus grandes éxitos. Esta selección de producto identificada estará disponible en los centros de El Corte Inglés de Castellana, Goya, Pozuelo y Sanchinarro hasta el 14 de junio, y en el de Princesa hasta el 31 de julio.

Esta edición del Noches del Botánico contará con 54 conciertos de artistas de todo tipo de géneros musicales. La encargada de dar el pistoletazo de salida al evento será Rigoberta Bandini, con tres espectáculos consecutivos del 4 al 6 de junio. Este mismo mes, pasarán por el escenario de los jardines otros artistas y grupos de renombre como Pablo López, M-Clan, Zaz, Niña Pastori, Van Morrison e incluso Love of Lesbian, con sus últimos tres conciertos antes de un anunciado parón indefinido. Y, en julio, los 4.000 asistentes diarios disfrutarán a ritmo de Jean-Michel Jarre, Rick Astley, The Kooks, Tom Jones, María Becerra o John Legend.

Stonegal 2026: el gran escaparate internacional de la piedra natural

Stonegal 2026, que celebra su segunda edición del 17 al 19 de junio en el Instituto Ferial de Vigo (IFEVI), se posiciona como el encuentro internacional de referencia para conectar a la industria extractiva y transformadora de la piedra natural con prescriptores y estudios de arquitectura. El evento, promovido y organizado por Natural Stone Events, cuenta con la alianza estratégica del sector de la piedra natural de Galicia, líder en la producción de materiales como el granito y la pizarra.

Esta convocatoria reúne a más de 120 expositores directos y prevé superar los 6.000 profesionales en un contexto sectorial de alta proyección exterior, donde la industria española factura 2.735 millones de euros y registra una tasa media de exportación de entre el 75% y el 80% de su producción. Asimismo, el salón integra el Summit "Arquitectura y Piedra", un foro de debate técnico y científico centrado en la viabilidad, el cálculo estructural y la sostenibilidad de este material en la edificación contemporánea, que cuenta con ponentes internacionales como Marisa Santamaría, Jean-Manuel Perraudin, Giuseppe Fallacara o Xavier Ferrés Padró.

StoneGala 2026: la gran noche de los Premios Stonegal

En el marco de Stonegal, y con el objetivo de reconocer a personas, proyectos e iniciativas que impulsan el presente y el futuro de la arquitectura y la piedra natural, el 18 de junio se celebró la StoneGala en el corazón de una cantera de granito de O Porriño. Durante la velada, se entregaron los Premios Stonegal y los reconocimientos especiales, donde el gran protagonista de la noche fue César Portela, quien recibió el Premio de Arquitectura Antonio Palacios. Con este galardón, el maestro gallego recogió el testigo del arquitecto portugués y Premio Pritzker, Eduardo Souto de Moura, premiado en la edición de 2025, consolidando así un palmarés que une a las figuras más influyentes de la arquitectura contemporánea.

A lo largo del recorrido, los asistentes serán guiados por un grupo de ilusionistas formado por Alma, David Navares, Raymon y Varo, que transformarán distintos rincones del castillo en pequeños escenarios donde lo imposible sucederá a pocos metros del público.

La experiencia culminará en el patio principal del Gran Castillo de Pedraza con una actuación exclusiva de Jorge Blass. Allí, la magia se fundirá con la puesta de sol y el impresionante entorno de la fortaleza segoviana para ofrecer un final difícil de olvidar.

Más que un espectáculo, Los Secretos del Castillo propone una forma diferente de descubrir el patrimonio, recorrer una fortaleza histórica desde una nueva perspectiva y dejarse sorprender por algunos de los mejores ilusionistas del panorama actual.

El equipo de ilusionistas de Los Secretos del Castillo, en el Gran Castillo de Pedraza.

El equipo de ilusionistas de Los Secretos del Castillo, en el Gran Castillo de Pedraza.

Ocho únicas funciones

La experiencia podrá disfrutarse exclusivamente en las siguientes fechas:

17, 18 y 31 de julio de 2026

1, 7, 8, 14 y 15 de agosto de 2026

Las funciones contarán con aforo limitado y acceso mediante dos horarios de citación para garantizar la calidad y cercanía de la experiencia.

Información práctica

Espectáculo: Los Secretos del Castillo — Jorge Blass

Lugar: Gran Castillo de Pedraza (Segovia)

Fechas: Del 17 de julio al 15 de agosto de 2026

Duración aproximada: Hasta las 22:15 h

Edad recomendada: A partir de 6 años

Entradas: www.grancastillodepedraza.com

La exposición, que permanecerá abierta del 24 de junio al 30 de agosto en el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico, propone examinar cómo estos dos creadores taiwaneses, arraigados en la experiencia local y en diálogo con el contexto actual, realizan una traducción y reconfiguración transcultural mediante recursos formales como la tinta, la fotografía, la instalación y los manuscritos documentales, entre otros medios mixtos.

Pu-Chun Teng, quien con puntos de tinta graba paisajes de «roca firme» en territorios extraños, y Mia Liu, quien, con el papel, despliega la ligereza de las «plumas en vuelo» despliegan una verdadera sinfonía visual asentando el primero su obra sobre la tierra, mientras que la segunda parece hacerla levitar por el cielo. De ahí que la exposición tome como coordenadas la piedra y la pluma, delineando así la doble mirada de ambos artistas sobre la vida, la cultura y el cosmos.

Algunas de las obras expuestas parten de la «pintura tradicional en tinta», a la que ambos artistas —pertenecientes a generaciones distintas— otorgan una nueva expresión contemporánea. Las obras revelan una profunda fusión entre la tradición estética oriental y las formas contemporáneas occidentales. No se trata solo de un giro técnico, sino de una deconstrucción consciente de los paradigmas heredados. A través de esta narrativa polifónica, la exposición pretende articular el singular sistema de referencias estéticas del arte contemporáneo taiwanés en el horizonte de la globalización.

Tras años de residencia en Hualien (Taiwán) el paisaje pétreo de esta región se ha convertido para Pu-Chun Teng en el cimiento de su imaginación. A través del detallado trazo de puntos de tinta y finas texturas, plantas y piedras originalmente tranquilas se transforman en paisajes en metamorfosis que, mediante deformaciones, torsiones y superposiciones, se convierten en escenarios que transitan por los márgenes de lo real.

De manera análoga, los bloques rompeolas y las piedras costeras de Hualien también son abordados por Mia Liu mediante la práctica de la «pintura en el paisaje» (landscape painting), combinando fotografía y paisaje. Sobre la superficie de plantas y rocas, organiza puntos y líneas de manera repetitiva, prolífica y continua, construyendo una trayectoria de percepción única. Cada punto es independiente y a la vez interconectado, convergiendo finalmente en la poética sensibilidad distintiva de la artista.

El poeta y filántropo argentino Alejandro Roemmers ha destacado que “Borges es en sí mismo un universo” y que “su legado sigue vivo”. Esa es la pretensión de la recopilación ‘Borges. La Colección’: “El coleccionismo, cuando se entiende desde el humanismo, no es un acto de posesión; es un acto de rescate. Cada documento que hoy contemplarán constituye una huella irrepetible del proceso creativo de Borges. No son sólo páginas escritas, sino también dudas, correcciones, y momentos de inspiración. Encontramos, en definitiva, el rastro humano que hay detrás de una obra inmortal”.

“Estos tesoros no podían permanecer en baúles y pasar al olvido. Queremos que pertenezcan al mundo. Pertenecen a investigadores, estudiantes, académicos, lectores y a todos aquellos que encuentran en la literatura una forma de comprender mejor el mundo”, ha agregado Roemmers, quien ha agradecido a Alejandro Vaccaro su “paciencia” a la hora de reunir la colección.

El biógrafo de Borges y presidente de la Sociedad Argentina de Escritores, Alejandro Vaccaro, ha explicado el “trabajo de cuidado” en la recopilación y ha enfatizado la existencia del destino. “Como decía Borges, el destino no hace acuerdos, hizo que en un momento me cruzara en la vida con Alejandro Roemmers y le propuse esta aventura”.

Vargas Llosa reivindicó el Nobel para Borges

“Lo que van a ver en esta muestra son las grandes obras maestras de Borges en los manuscritos, que están escritos por una letra verdaderamente microscópica y minúscula”, ha explicado el presidente de la Cátedra Vargas Llosa, Álvaro Vargas Llosa, que ha contado la anécdota de que su padre, Mario Vargas Llosa, antes de la ceremonia de entra del Premio Nobel preguntó al secretario permanente de la Academia por qué nunca le dieron el Nobel a Borges. “El sueco, a pesar de ser sueco, quedó bastante desconcertado y en su rostro esto se reflejó de manera sumamente líquida e invisible”, ha ironizado.

“Estoy deseando ver, como lectora, sus dudas, sus tachaduras, sus aciertos, su caligrafía. En manuscritos conectan la rutina del escritor con la fantasía de quien marcó para siempre el camino de todas las literaturas, pero también de la literatura fantástica”, ha señalado la delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta Rivera de la Cruz.

Homenaje en el 40º aniversario de la muerte

La biblioteca municipal albergará las próximas semanas la muestra, que permite descubrir el proceso de creación de una de las obras más originales e influyentes e la literatura universal, relevando la dimensión más íntima y artesanal de la escritura borgiana. Esta es una oportunidad excepcional para acercarse al Borges de la palabra manuscrita y adentrarse en las claves secretas de una obra que sigue dialogando con lectores del mundo entero.

La exposición de ‘Borges. Años de esplendor literario’ coincide con el 40º aniversario de la muerte del escritor argentino. Con ese motivo, se le conmemorará en Ginebra este fin de semana. El sábado Alejandro Roemmers y Alejandro Vaccaro presentarán ‘Borges. La Colección’ en la Maison Rousseau et Littérature. El 14 de junio, día en que falleció el escritor en Ginebra, se celebrará un homenaje en el Cementerio de Plainpalais donde está enterrado.

LO QUE NO SE VE: LAS CLAVES QUE HACEN POSIBLE UN GRAN EVENTO

Para los profesionales del sector, el éxito de un gran evento suele medirse precisamente por aquello que el asistente no percibe. Cuando todo funciona, pasa desapercibido. Sin embargo, detrás de cada gran evento existe una compleja maquinaria que requiere meses de planificación:

• Gestión de accesos y aforos.
• Seguridad y planes de emergencia.
• Movilidad y transporte de asistentes.
• Coordinación con administraciones públicas y cuerpos de seguridad.
• Producción técnica y audiovisual.
• Infraestructuras y montaje.
• Tecnología y conectividad.
• Servicios sanitarios.
• Sostenibilidad y gestión de residuos.
• Experiencia del asistente.
• Planes de contingencia ante incidencias o imprevistos.

Antiguo astronauta de la NASA, que llevó al límite la exploración durante las arriesgadas misiones de reparación del telescopio espacial Hubble, y autor superventas, Massimino aportará su indiscutible perspectiva experta a este debate.Aportará su experiencia en vuelos espaciales y la visión de quien ha vivido en primera persona las condiciones extremas del espacio.

Cuando el responsable de construir el acceso al espacio se encuentra con uno de los astronautas más destacados de nuestro siglo, se abre una oportunidad única para comprender los grandes retos y tendencias que están definiendo la economía espacial global.

Lleva los límites de lo posible más allá el próximo miércoles 17 de junio en el escenario del VivaTech Theater.

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Whitacre será reconocido tanto por su trabajo innovador y pionero, así como por su destacada trayectoria como compositor y director. “Eric Whitacre ha redefinido los límites de la música vocal del siglo XXI a través de sus coros virtuales, que han unido voces de todos los rincones del mundo”, dijo Simone Pilon, directora ejecutiva de Berklee Valencia.

En los últimos cinco años, el campus de Berklee en Valencia ha concedido este título a Gilberto Gil, Alberto Iglesias, Yvette Noel-Schure, Youssou N'Dour y Patrick Doyle.

Sobre Eric Whitacre

El compositor, director y ganador de un premio Grammy Eric Whitacre es uno de los músicos de música clásica contemporánea más reconocidos de la actualidad. Conocido por combinar texturas corales con la última tecnología, la obra de Whitacre ha redefinido la experiencia coral moderna para audiencias de todo el mundo.

Graduado por The Juilliard School, Whitacre ha desarrollado una extensa trayectoria profesional que abarca la música para concierto, la tecnología, la educación y la divulgación. Además de su amplia experiencia en producción para conjuntos vocales, sus obras orquestales han sido interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica Real, o la Orquesta de Minnesota, entre otras. También ha sido artista residente del Los Angeles Master Chorale y compositor invitado en Pembroke College.

Sus obras de gran formato más recientes continúan ampliando los límites artísticos y tecnológicos. Eternity in an Hour, estrenada en el Royal Albert Hall durante los BBC Proms de 2024, marcó la primera vez que Whitacre dirigió e interpretó, simultáneamente, música electrónica en directo sobre el escenario. En 2025, The Pacific Has No Memory, una obra encargada por la violinista Anne Akiko Meyers, se estrenó en el Carnegie Hall junto a la Orpheus Chamber Orchestra. Además, su aclamada composición Deep Field, inspirada en los logros del telescopio espacial Hubble, se estrenó en el Centro Espacial Kennedy convirtiéndose en la base de una colaboración única con la NASA.

Más allá de los escenarios, Whitacre ha colaborado con artistas y compositores como Hans Zimmer, Imogen Heap, Laura Mvula y Annie Lennox. Su larga relación con Decca Classics ha dado vida a una colección de álbumes que han alcanzado los primeros puestos de las listas de éxitos. Entre ellos se encuentran Light & Gold, su debut galardonado con un Grammy como compositor y director; Water Night, que alcanzó el número uno en las listas de música clásica de iTunes y Billboard; y Home, grabado junto al octeto vocal a cappella VOCES8.

Como ponente y educador, Whitacre ha impartido conferencias magistrales para organizaciones como el Foro Económico Mundial, las Naciones Unidas, Apple y Google, entre muchas otras. Sus contribuciones a la música y a la innovación le han valido numerosos reconocimientos, entre ellos el Premio Richard D. Colburn de la Colburn School y un doctorado honoris causa por la Chapman University.

La exposición conmemora el centenario de la constitución del Orfelinato de San Ramón y San Antonio —establecido por disposición testamentaria de Antonia González y Pérez en 1925— y, en paralelo, el de la puesta en marcha del Asilo de Santamarca por Carlota de Santamarca y Donato tras su fallecimiento en 1914, e inaugurado en 1928. Con este motivo, la muestra da a conocer al público madrileño y general la notable colección de arte reunida por ambas familias a lo largo del siglo XIX, contextualiza la trayectoria biográfica de sus fundadoras y pone en valor la labor filantrópica que ejercieron mediante sus legados testamentarios.

Las fundadoras y su legado

Carlota de Santamarca y Donato (Madrid, 1849-1914), II condesa de Santamarca y duquesa viuda de Nájera, destinó la totalidad de su patrimonio —valorado en torno a veinte millones de pesetas de la época— a la creación de un asilo para niños huérfanos pobres naturales de Madrid. La colección pictórica que heredó de su padre, el I conde de Santamarca, y que ella misma amplió, fue legada expresamente para decorar las dependencias del nuevo centro y despertar, en palabras de la propia fundadora, «el amor al arte» entre los acogidos.

Antonia González y Pérez (Madrid, 1852-1925), viuda del empresario Ramón Pallarés y Prats, dispuso en testamento cerrado la creación de un orfelinato para doscientas niñas huérfanas de Madrid y su provincia, destinando igualmente la práctica totalidad de sus bienes, cifrados en más de quince millones de pesetas. El Orfelinato de San Ramón y San Antonio —denominación que evocaba los nombres de pila de ambos cónyuges— fue inaugurado el 13 de junio de 1926 en el barrio de La Prosperidad, con presencia de los reyes Alfonso XIII y Victoria Eugenia.

Las obras de la exposición

El núcleo de la muestra lo constituye la Colección Santamarca, integrada en la actualidad por 230 pinturas que abarcan desde comienzos del siglo XVII hasta mediados del XIX y representan las escuelas española, flamenca, italiana y francesa.

La pieza de mayor proyección pública de la exposición es la serie de los “Juegos de niños” de Francisco de Goya, compuesta por seis lienzos que ingresaron en la colección a través del duque de Nájera, esposo de Carlota de Santamarca, y que actualmente se exhiben en el Museo Goya-Colección Fundación Ibercaja. Museo Camón Aznar de Zaragoza. Cada una de las obras conserva en su bastidor la etiqueta original con la inscripción «es propiedad del Excmo. Sr. Gral. Duque de Nájera», lo que permite trazar con precisión su procedencia e incorporación al conjunto.

Entre las obras de la escuela italiana, el visitante podrá contemplar cuatro grandes lienzos de temática religiosa que Carlota de Santamarca destinó expresamente, en cláusula testamentaria, a la iglesia del Asilo Santamarca: el “Nacimiento de la Virgen María” y la “Huída a Egipto”, atribuidos a Camilo Procaccini, y una segunda “Huída a Egipto” junto a la “Resurrección de Lázaro”, obras de Luca Giordano, pintor napolitano del Barroco cuya presencia en colecciones españolas del siglo XIX es bien documentada.

La exposición incluye asimismo una selección de retratos de los condes de Santamarca y su entorno, entre los que sobresalen el retrato de Carlota de Santamarca realizado en 1908 por José Moreno Carbonero —en el que aparece con la corona ducal de brillantes que lució en la coronación del zar Nicolás II en Moscú en 1896— y el del duque de Nájera, obra de Ricardo de Madrazo y Garreta (1911), con todas sus condecoraciones militares.

Del patrimonio del Orfelinato de San Ramón y San Antonio se exhiben los bustos en mármol blanco de Antonia González Pérez y Ramón Pallarés y Prats, esculturas firmadas por Miguel de la Cruz Martín que fueron presentadas en el VI Salón de Otoño de la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid en octubre de 1925. Se incorporan también a la muestra registros fotográficos del Archivo Moreno —conservados en el Instituto del Patrimonio Cultural de España— que documentan el interior del palacio Santamarca de la calle de Alcalá y la disposición original de la colección antes de su traslado al Asilo.

Completan el recorrido tres piezas de mobiliario de estilo isabelino pertenecientes al antiguo Palacio de Santamarca: un sofá y dos mesas del siglo XIX que formaban parte de los enseres del palacio que la condesa habitó en el inmueble contiguo al Banco de España. Aquel edificio, uno de los más suntuosos del Madrid de la Restauración, fue adquirido por la testamentaría de la condesa al Banco de España en 1923 y posteriormente demolido para dar paso a la ampliación del actual edificio de la entidad bancaria, hoy uno de los emblemas arquitectónicos de la calle de Alcalá.

A través de esta exposición, enmarcada en el 150 aniversario de Fundación Ibercaja, la entidad cumple con su propósito de acercar el arte y la cultura a toda la sociedad, a la vez que pone en valor la labor social llevada a cabo por Carlota de Santamarca y Antonia González, y que constituye así mismo su compromiso desde hace siglo y medio.